LA RED SOCIAL / The social network (2010) de David Fincher

FINCHER & SORKIN:

AGREGAR A MIS AMIGOS

Pablo Giraldo

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Si algo ha conseguido David Fincher en estos últimos años en los que se ha (o lo han) postulado como uno de los más reputados cineastas de su generación, es forzar la reconversión de un público palomitero que se acercó a él gracias a atractivos thrillers como Se7en o El club de la lucha a otro más refinado y exigente que, por fidelidad, se sintió en la bendita obligación de ver películas tan redondas como Zodiac o El curioso caso de Benjamin Button. Algo tuvo que pasarle a Fincher en el lapso de cinco años que va desde la prescindible La habitación del pánico a la ambiciosa Zodiac para perfeccionar tanto su discurso y su técnica, y viendo La red social –en donde todo se encamina hacia la excelencia– pareciera que esa filmografía anterior formara parte de un elaborado plan de calentamiento para alumbrar con cada nuevo estreno un “altius, citius, fortius”. Y digo esto porque en el film que nos ocupa, la combinación del veloz guión de un experto dialoguista como Aaron Sorkin (El ala oeste de la Casa Blanca) con la puesta en escena de un maestro de lo visual como Fincher hace pensar que este tándem de director y guionista va a ser lo mejor que le pase al cine este año.

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MACHETE (2010) de Robert Rodríguez & Ethan Maniquis

YOU JUST F*CKED WITH

THE WRONG MEXICAN

Eloy Domínguez Serén

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Cada vez que veía el falso trailer de Machete (exhibido en el proyecto Grindhouse, del tándem Tarantino-Rodríguez) me lamentaba de que esa exquisita salvajada no fuese el vídeo promocional de una película real. Por lo tanto, podéis imaginar mi alegría y expectación cuando la vi en la reciente edición de la Mostra de Venecia. De hecho, fue la primera película que vi allí. Tras comprobar el resultado, puedo decir que Machete es deliciosamente demencial, admirablemente inverosímil, asombrosamente gamberra, sabiamente irreverente, hilarantemente perversa, incondicionalmente populista, excesivamente extrema y extremamente excesiva, además de socarrona, sangrienta e infinitamente tronchante…

Robert Rodríguez y su copiloto Ethan Maniquis han pisado el acelerador a fondo y han derrumbado todas las barreras: humanas, morales, éticas o físicas. Haber podido ver una locura como esta en un festival como el de Venecia ha sido un espectáculo grotescamente dantesco, al mismo tiempo que encantadoramente prodigioso. Desde sus primeros fotogramas, este film es una explosión en cadena de secuencias memorables, anárquicas, brutales, dementes…

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EL AMERICANO - The American (2010) de Anton Corbijn

LA SENDA DEL SAMURAI

Eloy Domínguez Serén

Pocas veces una película tan irregular como El americano ha logrado un resultado tan convincente. Convincente y exquisito, pese a su débil trama, su obvia simbología (el cura, la puta y la mariposa) y su desatinado desenlace.

Convincente al constatar que la incursión del prestigioso fotógrafo y director de videoclips holandés Anton Corbijn en el largometraje de ficción no era un farol. Convincente al evidenciar la casta interpretativa de George Clooney. Y, afortunadamente, convincente al acreditar que las obras intimistas, contemplativas y minimalistas pueden hallar todavía su nicho en la voraz industria hollywoodiense.

El fotógrafo que inmortalizó el rostro de Miles Davis, Tom Waits o David Bowie filma ahora con idéntica lucidez, elegancia y meticulosidad el ascetismo de un samurai contemporáneo, proporcionando “una mirada distinta, pausada y meditada sobre la figura arquetípica del asesino a sueldo” (Sergi Sánchez).

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SALVANDO LAS DISTANCIAS - Going the Distance (2010) de Nanette Burstein

LOS DERROTEROS DE

LA NUEVA COMEDIA AMERICANA

Eloy Domínguez Serén

Las fórmulas agotadas, trilladas e inamovibles comienzan a ser atractivas cuando se las considera un fértil caldo del cultivo para la reinvención. Esta reinvención puede realizarse desde la superación, la mutación, la ruptura o la reinterpretación, pero en todos los casos encierra un meditado análisis de los parámetros que han establecido una determinada convención.

Uno de los cineastas que más y mejor ha sabido adulterar los códigos de la maquinaria hollywoodiense durante los últimos años ha sido el neoyorkino Judd Apatow, considerado por parte de la crítica como uno de los principales impulsores de la “nueva comedia americana”.

Sin embargo, el responsable de éxitos como Supersalidos, Paso de ti o Lío embarazoso es sólo la punta de un voluble iceberg, en el que representa sólo una de las múltiples vertientes generadas por la renovación de la comedia romántica estadounidense.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (X) - FESTIVAL DE VENECIA (X)

LA MOSTRA SEGÚN

(PARTE DE) LA CRÍTICA

Eloy Domínguez Serén

Conocemos cuál fue el veredicto del jurado de la sección oficial de la 67 Mostra de Venecia, formado por Quentin Tarantino, Guillermo Arriaga, Ingeborga Dapkunaite, Arnaud Desplechin, Danny Elfman, Luca Guadagnino y Gabriele Salvatores. Sin embargo, ¿cuál fue la valoración de las veinticuatro películas que competían por el León de Oro por parte de la crítica internacional? Veamos cuál fue la opinión de veintiún críticos de veintiún medios distintos (eso sí, la mitad de ellos italianos).

A lo largo de todo el festival, la guía Venezia News publicó diariamente un especial llamado Stars & Stripes, en el que una tabla mostraba a través de las famosas (y dichosas) estrellitas la valoración de críticos de medios como The Daily Telegraph, Herald Tribune, Le Monde, Positif o La Repubblica (por cierto, no incluyeron a ningún representante español).

Atendiendo a sus votaciones, la favorita de la crítica habría sido la rusa Silent Souls (Ovsyanki), de Aleksei Fedorchenko, con una nota media de 3,9 puntos sobre 5 (esta cinta fue premiada con la Osella a la mejor fotografía). Sólo una décima por debajo se sitúa la chilena Post Mortem (3,8), de Pablo Larraín, que, sin embargo, se volvió de Lido con las manos vacías. Completa el podio la “película sorpresa” de la sección oficial, la china The Ditch, de Wang Bing.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (IX) - FESTIVAL DE VENECIA (IX)

DIARIO DE UN GALLEGO
EN VENECIA

Eloy Domínguez Serén

ÚLTIMO DÍA (13/09/10): EL LARGO ADIÓS

Vuelvo a Galicia con una extraña sensación de síndrome postfestival. El aterrizaje en el aeropuerto de Lavacolla simboliza a la perfección el estado actual de las cosas: mi avión toca tierra firme y yo vuelvo a poner mis pies en el suelo. Un par de horas antes, a treinta mil pies de altura y cientos de quilómetros de Lido, la Mostra se despedía con una última sorpresa: Pilar López de Ayala viajaba en el mismo vuelo que yo. Capté el mensaje: hay vida (y cine) más allá de Venecia.
Mi vecino de asiento lee en La Repubblica una crónica del festival en la que destaca la imagen de una sonriente Sofia Coppola alzando el León de Oro. Al otro lado del pasillo una azafata de Iberia observa un ejemplar de El País en el que puedo ver una foto de Álex de la Iglesia, en posición de arquero, señalando a alguien con su mano derecha mientras sujeta el León de Plata la izquierda. La neoyorkina y el bilbaíno (que también se llevó el premio al mejor guión) fueron la cara de la 67 edición de la Mostra Internazionale D’Arte Cinematografica di Venecia. La cruz: Darren Aronofsky, Natalie Portman y su Black Swan. El único reconocimiento que se llevó esta cinta fue el del Premio Marcello Mastroianni a la joven actriz ucraniana Mila Kunis.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (VII) - FESTIVAL DE VENECIA (VII)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA SIETE (07/09/10): EL PUTO AMO

Ya ha pasado mas de una hora desde que me destroce las manos aplaudiendo a Alex de la Iglesia y companhia, y sin embargo todavia continuo en estado de trance. Nunca, nunca me lo habia pasado tan bien en una sala de cine y, ademas, por supuesto, del equipo de Balada triste de trompeta, gran parte de culpa la tuvo, aunque suene de locos, el senhor Quentin Tarantino. He tenido a ese chiflado sentado delante de mi en la sala y el tio no ha dejado de partirse de risa durante toda la proyeccion, contagiando su histrionica carcajada a quienes estabamos a su alrededor. De hecho, muchos de los aplausos que recibio la pelicula durante la proyeccion los inicio el mismo. Fue increible ver a ese dios del cine disfrutando tanto o mas que cualquier otro espectador. Honestamente, aunque casi me vuelvo loco de extasis, no si quien se lo paso mejor, si el o yo.

Mientras todos mis companheros de 27 times cinema disfrutaban de una placida cena a la que nos habian invitado en la Villa degli Autori, yo chupaba frio sentado en el gelido cemento frente a la puerta lateral de la sala Grande, reservada a los acreditados. Queria ser el primer acreditado en entrar, y ya lo creo que lo fui. Una hora y cuarenta minutos de espera me aseguraron ese privilegio. Estoy loco? Tal vez, pero Alex de la Iglesia se lo merece (especialmente despues de ver el film). Ademas, gracias a ello pude pasar un buen rato con el equipo de Pequenhas voces, la cinta colombiana de animacion que tanto me gusto hace dos dias.

Al fondo de la sala, en lo alto: Alex de

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LOS MERCENARIOS (THE EXPENDABLES) de Sylvester Stallone (2010)

PORQUE ELLOS LO VALEN

Julio C. Piñeiro

Para qué negarlo: los ochenta están de moda. La crisis de ideas que impera desde hace varios años en la industria pesada hollywoodiense ha convertido el remake en una fórmula sumamente recurrente. Y parece que las películas de aquella década tienen prioridad en la lista de títulos que los estudios deciden revisar, homenajear y, muchas veces, destrozar. Pero en este caso no se trata de un remake.

Antes de nada, se debe tener en cuenta que el cine de acción más puro (y duro) tuvo en los ochenta su edad de oro: el de serie A arrasaba en las taquillas y el de serie B era un producto predilecto de las televisiones. A estas alturas, ya pasados tres decenios, las explosiones a cámara lenta, las armas de munición infinita, el héroe imponiéndose él solito, incluso sin armas, a hordas de cientos de lacallos sin nombre, han adquirido en el imaginario colectivo, en la cultura popular, un nivel de mito equivalente a los grandes paisajes de la Monument Valley y los saloons del western; las (a veces no tan) fieles recreaciones de la colosal arquitectura grecorromana en el peplum, con sus carreras de cuádrigas; los Cadillac, Silverado y Chopper en las road movies; las metralletas de repetición y los Ford negros de chapa dura en el cine de gángsters, las gabardinas y sombreros de los detectives o incluso los paseos por los parques en otoño del cine romántico.

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ORIGEN (INCEPTION) de Christopher Nolan (2010)

CHRISTOPHER NOLAN:
ILUSIÓN Y REALIDAD

Julio C. Piñeiro

Se me agotan los calificativos para describir la excelencia de este cineasta. Encima, su total e íntegra inmersión en la industria pesada del cine no ha implicado, como en otras muchas veces, una mayor o menor pérdida del estilo, el espíritu y la poética personal. Ni que no sepa llevar una producción de altos hornos, con la pirotecnia supeditada a su universo creativo y las escenas de acción fagocitadas por su compleja e intrincada narrativa.

Si en Memento ponía patas arriba la narrativa canónica y convencional, y al mismo tiempo, ofrecía una de las visiones más sinceras acerca de la inestabilidad de los recuerdos y el poder de redentor del subconsciente, con Origen se sumerge de lleno, y a diferentes escalas, en lo más profundo de la mente humana. Introduce una sustancial, trascendente y casi inédita novedad: la experiencia onírica, subconsciente, compartida por varios sujetos, con diferentes niveles, funciones, objetivos y grados de consciencia.

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PRÓXIMAMENTE EN SUS PANTALLAS

LOS 10 ESTRENOS MÁS
DESTACADOS DEL VERANO

Julio C. Piñeiro

Estamos en pleno verano. El calor aprieta, y los ojos de medio mundo se centran en el fútbol, en ese gran evento que cada 4 años atrae todos los focos del planeta. En especial los del público español, que en esta edición, la primera en el continente africano, tiene la oportunidad histórica de ver a su selección, tradicionalmente derrotista, jugar una final que siempre se le había resistido e hipotéticamente ganarla.

Pero el Mundial acaba este domingo. Sin esa gran distracción que es el deporte rey, tendremos que encontrar alguna manera de matar las horas para cuando la playa (o cualquier otro sitio de recreación veraniega) empiece a hastiar. Una de tantas opciones es el cine, ahora que, quien más y quién menos, tiene más tiempo disponible para su tiempo de ocio. Todavía con una nube “crepuscular” sobre el cielo, la temporada veraniega, como siempre, no se presenta nada exultante, ni siquiera con superproducciones de peso. Aunque, por fortuna, el panorama está algo mejor del espantoso cartel primaveral que, menos mal, acabamos de dejar, donde ni siquiera los taquillazos (como Alicia o Robin Hood) han estado a la altura.

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GEORGIA O'KEEFFE (2009) de Bob Balaban

QUIERO SER UNA ESTRELLA

Maximiliano Curcio

Un correcto biopic sobre Georgia O’Keeffe demuestra que amor y negocios no siempre van –bien- de la mano. El tan de moda subgénero de biopics rescata del olvido a un personaje de relevancia artística para el siglo XX, pero que nunca recibió el reconocimiento que su gran arte merecía. En el campo de la pintura abstracta, de las naturalezas muertas, O’ Keefee fue una gran precursora se imágenes llenas de originalidad, sensualidad que rozaba el erotismo y las ideas que plasmó en sus obras hablan a las claras de una artista con riesgo, ambición y un sino de incomprensión que la persiguió a lo largo de su trayectoria. Quizás sea oportuno mencionar, la figura de Georgia no ocupe el lugar que realmente merece en la historia. En cierta medida este film remite a otra figura como lo fue Jackson Pollock en la celebrada homónima opera prima de Ed Harris una década atrás.

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THE COVE (2009) de Louie Psihoyos

UN INTELIGENTE Y CALIBRADO THRILLER DOCUMENTAL

Eloy Domínguez Serén

Probablemente, el principal motivo del rotundo éxito de The cove, ganadora del Oscar al mejor documental en 2009 y multipremiada en festivales como Sundance o Toronto, es el acertado modo en que su director, el ex fotógrafo de National Geographic Louie Psihoyos, logra implicar al espectador con cada una de tres tramas paralelas y convergentes en que se estructura esta inteligente y calibrada cinta.

Este documental comienza como una historia de arrepentimiento, perdón y redención. Durante los años sesenta Ric O'Barry gozó de gran popularidad en los Estados Unidos como el entrenador de los delfines de la célebre serie televisiva Flipper. Sin embargo, cuando uno de estos delfines, que él mismo había capturado y adiestrado, se suicidó (según sus palabras) en sus propios brazos, O’Barry se convirtió en un vehemente activista en contra de la cautividad de estos cetáceos. Desde entonces, lucha afanosamente contra aquello que él mismo contribuyó a promover.

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KICK-ASS. LISTO PARA MACHACAR / Kick-ass (2010) de Matthew Vaughn

VIÑETAS, NEOPRENO Y

HONDANADAS DE HOSTIAS

Eloy Domínguez Serén

Dime qué justiciero te mola y te diré quién eres. Honestos, vengativos, sanguinarios, legítimos, psicópatas, libertadores, enmascarados, chabacanos… Al igual que con los colores, las recetas, las conspiraciones o las cortinas, hay justicieros para todos los gustos: Batman, Harry el Sucio, El Cuervo, El Castigador, El Zorro, el Capitán América, el Vengador Tóxico, el Charles Bronson de El justiciero de la noche, el Schwarzy de Commando, el primo de Zumosol... La nómina es inagotable. Hay muchos malhechores ahí fuera y todos tienen que recibir su merecido.

Es más, cada uno de nosotros alberga un justiciero latente. ¿Quién no ha querido en más de una ocasión partir caras, machacar costillas y patear culos como respuesta a las fechorías de malotes, malignos y maleantes? De hecho, ¿cómo es que nadie ha intentado ser un superhéroe?, se pregunta Dave Lizewski, protagonista de Kick-Ass. Al fin y al cabo, "para que triunfe el mal, basta con que los hombres de bien no hagan nada”, decía el pensador británico Edmund Burke.

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ESPECIAL ORSON WELLES

EL ÚLTIMO DE LOS

RENACENTISTAS

Maximiliano Curcio

Genio y figura. No habrá otro igual. Es un caso de trascendencia única este multifacético Orson Welles de quien el pasado 6 de Mayo se cumplieron 95 años de su nacimiento. Coincidiendo con el 25º aniversario de su desaparición física, a los 70 años, la misma se produjo justo a tiempo cuando los críticos de la época y el publico que durante tanto años le diera la espalda comenzaban a reconocerlo con el talento que tuvo y con la trascendencia que su figura implicó para un autentico pionero e inventor que revoluciono las bases del cine de su tiempo y del futuro. Para entender la permanencia de su figura a lo largo de los años y lo que su obra contribuyó al progreso del cine basta evidenciar el adelanto cronológico de sus obras en cuanto a una técnica depurada gracias a recursos renovados y a una narrativa dramática desconocida hasta entonces. También, y como muchas de sus películas lo muestran, sentó las bases para la evolución en la puesta en escena, el cine de autor y el genero noir, entre muchas ramas cinematográficas que revolucionó.

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FALLECE DENNIS HOPPER

EL ÚLTIMO NIÑO MALDITO
DE HOLLYWOOD

Maximiliano Curcio

Su carácter indomable, sus excesos con las drogas, sus infernales matrimonios, su talento polifacético, sus papeles de villano antológicos y muchas otras cualidades más convirtieron a Dennis Hopper a lo largo de medio siglo de trayectoria en uno de los artistas más prolíficos de Hollywood y en una de las personalidades más misteriosas. Aunque la historia diga lo contrario y se empecine en negarlo, aunque sea uno de los interpretes menos valorados, aunque su conducta volátil lo convirtiera en un proscrito para la industria. Seria injusto recordar a Dennis Hopper solo como uno de los intérpretes secundarios más brillantes. Su trascendencia va más allá. Y puede comenzar a percibirse a través de esa mirada profunda, intrigante e intimidante. Hopper redefinió a su paso el término versatilidad. Salvando las distancias, así como un Orson Welles contemporáneo.

Lideró una camada de bad boys de Hollywood surgida mediados de los años ’60: Warren Beaty y Jack Nicholson fueron dos de ellos. Ellos fueron los encargados de abrirle las puertas a una nueva generación, que se sacudía el polvo de la guerra de Vietnam y que recibía con los brazos abiertos a un cine que se renovaba en géneros, temáticas, realizadores y estrellas. De una genialidad única, que combino genuinas destrezas artísticas, inquietudes culturales, pasión por su profesión y una rebeldía innata propias de los tiempos de Woodstock y el flower power.

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ESPECIAL STAR WARS

LA MASIFICACIÓN DEL
CINE DE GÉNERO

Julio C. Piñeiro

En el imaginario de todo amante o aficionado al cine se reserva un lugar especial para la década de los '70, aquel mágico decenio en el que La Industria, o sea, Hollywood y su entorno, fueron tomados y comandados por cineastas que bebieron de la época dorada del cine de autor en Europa (focalizada especialmente en las cinematografías italiana y francesa), sin olvidarse de la obligada referencia didáctica de los maestros orientales, con el emperador Kurosawa a la cabeza. Con estos ingredientes, y una política de estudios propicia, la resaca de la revolucionarios '60 se convirtió en la mejor cosecha del cine estadounidense, aquel que sí llegaba a todas y cada una de la salas del mundo.

Nos vienen a la cabeza los nombres de Coppola, Scorsese, Bogdanovich, Cimino, y un largo etcétera. Pero al mismo tiempo, iba germinando una tendencia, coetánea pero espiritualmente diferente y puede que incluso opuesta, que de alguna manera, más bien impremeditada, acabaría por revertir la tendencia y fijar las bases de la política de producción actual. Hablo, cómo no, de las figuras de George Lucas y Steven Spielberg, cuya cultura fílmica residía más en el cine de género (ya fuese en forma de producción de serie B como en formato televisivo) que en las cinematografías de autor extranjeras de las que bebieron sus contemporáneos. Así, sus películas no llegaron a ser las obras maestras del momento (quizás tampoco lo ambicionaban) pero sí cambiaron para siempre la industria, y sobre todo (ciñéndose a lo estrictamente cinematográfico), la manera de concebir el cine de género, especialmente el de ciencia-ficción.

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TWO LOVERS / Los Amantes (2008) de James Gray

EL CAMINO MENOS TRANSITADO

Eloy Domínguez Serén

La literatura, el teatro y el cine nos fascinan, nos conmueven y nos emocionan porque poseen la excepcional virtud de introducirnos allí donde nadie puede adentrarse: en la recóndita intimidad de los seres humanos. Sin embargo, el deleite voyeurista intrínseco al lector/espectador no se satisface al traspasar el linde entre lo personal y lo íntimo, sino al sensibilizarse con las vivencias que presencia al cruzar ese límite.

Muchos personajes e historias logran generar interés, afinidad o empatía, pero son escasas las ocasiones en que consiguen realmente despertar en nosotros una verdadera implicación emocional.

Mi aspiración como apasionado espectador de cine no es la de contemplar una película, sino la de interiorizarla, habitarla, respirarla y compartirla. En definitiva, vivirla. Por ese motivo, doy las gracias a James Gray por haber filmado Two Lovers.

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LA DILIGENCIA - The Stagecoach (1939) de John Ford

LAS HUELLAS DEL OESTE

Maximiliano Curcio

Seria injusto decir que La Diligencia (Stagecoach, 1939) inauguró el género western. Por otra parte no seria cierto y estaríamos olvidando otras producciones que forman parte de la historia del género. Sucede que La Diligencia es la primera gran película de westerns y con este film John Ford sentó las bases y tradicionalismos que caracterizarían al género por mucho año combinando suspenso, acción, drama y situaciones humorísticas en medio de personajes bien delineados y con una historia que para amantes del género lo tiene todo. El género del western había plantado su semilla inaugural con Asalto y Robo a un Tren (The Great Train Robbery, 1903), considerada la primera película ficcional de Hollywood. Años más tarde El Caballo de Hierro (The Iron Horse, 1924) de John Ford seria una suerte de western fundacional en cuanto a sus códigos de género más evolucionados e innovadores.

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FANTÁSTICO SR. FOX - Fantastic Mr. Fox (2009) de Wes Anderson

ROALD SEGÚN WES

Julio C. Piñeiro

Siempre he pensado que Tim Burton está destinado a realizar la adaptación cinematográfica definitiva de El principito, por mucho que su prometedora visión del mundo de Alicia haya provocado generalmente una sensación de chasco. Pues lo mismo pensaba de Wes Anderson, y de cuánto iba a esperar para acometer una producción basada en algún texto de Roald Dahl. Mis plegarias fueron escuchadas, y afortunadamente, en este caso el resultado sí ha sido más que satisfactorio.

El cineasta se ha atrevido con una historia no tan conocida, pero perteneciente al género que más reputación le ha otorgado al escritor británico: la novela infantil para adultos. A través de un hábil y divertido guión, co-escrito con Noah Baumbach (con el que repite tras The life aquatic), Anderson cautiva a pequeños y mayores y firma un gran debut en el género de animación, tras haber alcanzado en su anterior película, Viaje a Darjeeling, la cumbre de su cine más personal, la tragicomedia extravagante y absurda.

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ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS - Alice in Wonderland (2010) de Tim Burton

TIM BURTON SE TAMBALEA

EN SU PEDESTAL

Eloy Domínguez Serén

Se me ocurre un posible grupo de Facebook del que podría hacerme seguidor: “señoras que vieron la Alicia de Burton antes que la de Disney”. Probablemente seríamos pocos, pero plenamente conscientes del abismo que separa a ambas películas. En efecto, tras la decepción que me produjo la versión de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, acudí de inmediato al clásico de dibujos animados en busca de respuestas. ¡Ese sí es maravilloso! Lo primero que pensé en aquel momento fue que al director de Eduardo manostijeras (1990) y Ed Wood (1994) se le había apagado la bombilla. Lo segundo, que ojalá yo hubiese tenido diez años en 1951.

Desconozco con exactitud hasta qué punto tanto una como la otra son o no fieles al díptico Alicia en el País de las Maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí de Lewis Carroll, pero lo cierto es que la versión burtiana anula incomprensiblemente las principales virtudes de la película de Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wilfred Jackson para crear un producto que sólo acierta en su función, tal y como dice Ernesto Pérez Morán, de “vender palomitas”.

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