LA RED SOCIAL / The social network (2010) de David Fincher

FINCHER & SORKIN:

AGREGAR A MIS AMIGOS

Pablo Giraldo

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Si algo ha conseguido David Fincher en estos últimos años en los que se ha (o lo han) postulado como uno de los más reputados cineastas de su generación, es forzar la reconversión de un público palomitero que se acercó a él gracias a atractivos thrillers como Se7en o El club de la lucha a otro más refinado y exigente que, por fidelidad, se sintió en la bendita obligación de ver películas tan redondas como Zodiac o El curioso caso de Benjamin Button. Algo tuvo que pasarle a Fincher en el lapso de cinco años que va desde la prescindible La habitación del pánico a la ambiciosa Zodiac para perfeccionar tanto su discurso y su técnica, y viendo La red social –en donde todo se encamina hacia la excelencia– pareciera que esa filmografía anterior formara parte de un elaborado plan de calentamiento para alumbrar con cada nuevo estreno un “altius, citius, fortius”. Y digo esto porque en el film que nos ocupa, la combinación del veloz guión de un experto dialoguista como Aaron Sorkin (El ala oeste de la Casa Blanca) con la puesta en escena de un maestro de lo visual como Fincher hace pensar que este tándem de director y guionista va a ser lo mejor que le pase al cine este año.

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Series de TV - Vuelve CÓMO CONOCÍ A VUESTRA MADRE (How I met your mother)

¿CUÁNDO CONOCEREMOS
A VUESTRA MADRE?

Ian Lipper

Todos hemos echado de menos este verano Cómo conocí a vuestra madre, ya que, a pesar de que los guionistas siguen mareando la perdiz, nos hacen disfrutar esos veinte minutos que seguimos religiosamente cada martes. Ted y amigos vuelven a la carga.

Big Days, primer capítulo de la sexta temporada, comienza en una futura boda en la que se nos presenta a un Ted nervioso tomando una cerveza antes de entrar en la capilla con su amigo Marshall. ¿De quién es la boda? no lo sabemos, lo que genera un suspense general durante todo el episodio sobre si conoceremos de una maldita vez a su futura esposa. Retrocedemos en el tiempo al McLaren's, con un Ted igualmente nervioso por una chica de la barra que le ha llamado la atención, la cual también nos genera cierto suspense al pensar que es la compañera de piso de Cindy, y un Barney, como siempre pletórico marcándose un monólogo sobre las mujeres en verano y los derechos que se tienen con las chicas de los bares.

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LA VENTANA INDISCRETA / Rear Window (1954) de Alfred Hitchcock

LA MIRADA ESCONDIDA

Maximiliano Curcio

Siguiendo la pauta de la mayoría de los films de Alfred Hitchcock donde un hombre común y corriente preso de su curiosidad se mete en problemas mayúsculos, La Ventana Indiscreta, oculta más detrás y se revela como un film osado que explora los hábitos del voyeurismo como nunca antes se había hecho. El mismo contiene una inusual carga sexual para la filmografía del gran maestro del suspense ,de hecho el voyeurismo visto desde su significado como desviación hacia la búsqueda de excitación sexual. Un condimento que sin dudas agrega algo mas de sabor al ya de por si atrayente plato principal de suspense del gran maestro.

El interés en la sorpresa permanente es uno de los factores que se repiten a lo largo de la filmografía de Hitchock, que hace a sus películas interesantes en disparadores o motivaciones varias. A medida que diferentes pequeñas historias se desarrollan de forma paralela y que concluyen en el clímax de suspense que devela el misterio, el autor continua al siempre cuidado estudio de los personajes y que preceden a un final al estilo clásico del director, ese que perfecciono desde sus comienzos en su Inglaterra natal hasta su desembarco en la meca de Hollywood.

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¿QUÉ FUE DE BABY JANE? - What ever happened to Baby Jane (1962) de Robert Aldrich

EL FIN DE LA UTOPÍA

Maximiliano Curcio

¿Qué fue de Baby Jane? es como film un ejercicio en el terror psicológico que trasciende en su mirada tan gótico como perturbador. Robert Aldrich, un verdadero gran cineasta, de cuya autoría se recuerdan títulos como Doce del Patíbulo (1967), The Big Knife (1955), Veracruz (1954) y Sodoma y Gomorra (1962), une a dos autenticas reinas de la pantalla hollywoodense de la época dorada de los ‘40: Bette Davis y Joan Crawford. Ahora en la madurez de sus carreras, ambas se sacan chispas en un duelo protagónico que quedo en la historia del cine convirtiendo al film en un clásico de culto del terror, en una apuesta con un desarrollo inteligente en su concepción, audaz en su puesta en escena y aun mejor en su interpretación.

El film deja ver su postura sobre la locura, una ausencia de razón que emerge cuando la realidad se impone a nuestros sueños de gloria. Que fue de Baby Jane? también es una transición desde el punto de vista estético: es el ingreso al colorido y al cinemascope. Mostrando la cara tan inhumana y resentida de sus protagonistas, es un juego de introspección en relación a los limites de la fama y el triunfo personal, tan perverso como competitivo el mismo, escribiendo otras de las páginas mas abordadas de Hollywood, como lo fuera en un tono mas noir El Crepúsculo de los Dioses.

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LAURA (1944) de Otto Preminger

UN NOMBRE, UN CRIMEN Y

UN FILM INMORTAL

Maximiliano Curcio

Con títulos como Laura, Otto Preminger contribuyo a escribir las paginas mas celebres de un genero americano tan significativo de una época como lo fue el cine noir. No caben dudas que este director austriaco trazo una de las carreras cinematográficas mas brillantes que Hollywood haya visto, dejando tras de si una obra resignificable con el paso de los años plagada de grandes films. Laura fue uno de esos muchos ejemplares, y ante todo, el primero. Previo a este proyecto, apenas unas cuantas películas menores mas algunas obras en Broadway formaban los palmares de Otto Preminger, un perseguido nazi que huyo de su país.

Preminger perduraría en el género y años mas tarde nos entregaría obras mas depuradas de un autentico experimentado y talentoso: Cara de Ángel (1952), Río Sin Retorno (1954) y Anatomía de un Asesinato (1959); son, sin duda, títulos para recordar. Seria este el primero de muchos intentos exitosos en el nutrido género del suspenso policial de los ’40. Un género que nació desde las sombras de la Segunda Guerra Mundial y con las limitaciones propias de la censura que el Código Hays por aquellos años regulaba.

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ANATOMÍA DE UN ASESINATO - Anatomy of a murder (1959) de Otto Preminger

CONTUNDENTE VISIÓN DE

UN SISTEMA CORRUPTO

Maximiliano Curcio

Otto Premingter ya era un reconocido y consagrado cineasta para fines de los '50 cuando se embarco en un proyecto polémico por tocar temas en pantallas explícitos en su temática sexual como nunca antes, a la vez como de hacer una minuciosa critica incisiva, mordaz e inteligente al sistema jurídico norteamericano. El crimen en cuestión que remite al titulo del film es abordado en las instancias de un juicio, donde sus diversos personajes protagonistas y las circunstancias que se suceden dejan al descubierto un mensaje fuerte, amargo y real.

Anatomía de un Asesinato forma parte del subgénero de juicios. A contramano del thriller judicial más convencional, a Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos. El autor austriaco nos seduce analizando el crimen, pero finalmente se centra en sus personajes y la dudosa moralidad de estos, adentrándose en sus mundos y sus motivaciones. El guión de la película omite las escenas privadas del asesinato y se centra en las etapas del juicio. En el enfoque sobre la temática general del film es novedoso y hasta escandaloso para la época. Las figuras principales tanto como secundarias de la película están muy bien tratadas en la comprensión de sus conductas que deja al descubierto el maniobrar en los estrados de los juicios, en su más descarada expresión.

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SUCEDIÓ UNA NOCHE - It happened one night (1934) de Frank Capra

UN FINAL FELIZ QUE

RESIGNIFICA UNA ÉPOCA

Maximiliano Curcio

Para Frank Capra Sucedió una Noche (It Happened One Night, 1934) fue su primera incursión en un subgénero que por entonces mostraba destellos de crecimiento y se asentaba como un lenguaje cinematográfico recurrente y redituable, la screwball comedy. La comedia por entonces surgió como un genero escapista, un medio viable para resucitar el amor propio del individuo norteamericano vapuleado por la crisis, Sucedió una noche es un estandarte de ese pensamiento, una denuncia social disfraza de comedia de enredos. El film es un modelo de las comedias de enredo de Hollywood, precursa del subgénero de screwball comedy, ese tan transitado terreno de la comicidad que abordaba la batalla de sexos y la irremediable atracción entre opuestos. Puede también verse como una road movie romántica, que desafía varias de las censuras de la época exponiendo prejuicios sociales sobre la religión, la moral y el sexo, toda una afrenta a aquellos años donde el cine estaba condicionado en sus expresiones liberales por el Codigo Hays.

Así el film se presenta entre cazadores de fortunas, amores no correspondidos, búsquedas de primicias y recompensas millonarias. Un rubro fílmico asociado a comedias populares de aquellos años teniendo a figuras de la época como Spencer Tracy y Katherine Hepburn como abonados al genero que encuentra en este Sucedió una Noche a un clásico digno de sumarse a una ilustre lista de ejemplares, nada menos que en la posición de pionera. Un dato mas para rescatar en el tiempo y que enriquece el enorme valor de esta película: es en la historia de Hollywood junto con Alguien voló sobre el nido del cuco (1974) y El Silencio de los Corderos (1991) las únicas que se llevaron el Oscar a Mejor Película, Director, Actriz, Actor y guión en una misma entrega.

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EL DÍA DE LA BESTIA (1995) de Álex de la Iglesia

LA AMBIGÜEDAD DEL MAL

Blanca Paz García

Cínica, crítica y cómica, estos son los tres adjetivos que se ajustan con mayor precisión a El día de la bestia, primer éxito comercial del director vasco Álex de la Iglesia, quien declaró sobre la misma haber sido la película que más alegrías le ha proporcionado.

Si Acción mutante (1993) se sustenta en la represión y la marginalidad, El día de la bestia gira en torno a la idea del fracaso social en gran parte propiciado por la mentira mediática en la que se vivía a mediados de los noventa y en la que aún seguimos inmersos. La puesta en escena plasma también está idea de consumismo loco plagando la diabólica noche madrileña de luces de neón procedentes de anuncios publicitarios: llega a su máxima expresión cuando los tres protagonistas intentan escapar del apartamento a través del conocido anuncio de Schweppes situado en Gran Vía. Los medios de comunicación transmiten unos valores que ciegan a la población de tal manera que no reconoce el Mal aunque lo tengan delante de los ojos ya que, por culpa de los estereotipos, lo verá donde no esté.

El protagonista es Ángel, un catedrático de la Universidad de Deusto, que está convencido de que el Anticristo nacerá en Madrid a las doce de la noche del 25 de diciembre de ese año. Ángel quiere eliminarlo, pero ignora el lugar del alumbramiento. El protagonista pertenece a la sociedad hegemónica y, al ser clérigo católico, mediante él, se representa a esa parte de la misma.

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WALL·E (2008) de Andrew Stanton (III)

WALL·E: CLASICISMO

POSMODERNO

Germán Muñoz

Capítulo III: Posmodernidad: crítica y condicionante

La Posmodernidad, tal y como la describe Jean Baudrillard, es el tiempo de “la miniautirización, el telemando y el microprocesado del tiempo, los cuerpos, los placeres” (Baudrillard, 1985:191). Tras la muerte de Dios anunciada por Friedrich Nietzsche, los metarrelatos que hasta la fecha aportaban respuestas absolutas a las grandes preguntas del mundo se han desvanecido y, en su lugar, aparecen nuevos cultos, como el culto al cuerpo, gozar del “aquí y ahora”, entre otros. Estos nuevos relatos hacen renacer la idea del yo: el individuo deja de creer en los ideales colectivos y se refugia en su propio ser de una sociedad agresiva que reprime las pulsiones del ser humano.

Este contexto social es el que se pone de manifiesto en Wall-e y que es atacado fuertemente. Una sociedad fundamentada exclusivamente en el capitalismo y en la que no existen unos valores sólo puede desembocar en un proceso de alienación del individuo. El mundo propuesto en Wall-e no deja de ser otra distopía muy en la línea de las propuestas de Aldous Huxley en Un mundo feliz y George Orwell en 1984. La humanidad está destinada al fracaso, a la destrucción.

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BARTON FINK (1991) de Joel & Ethan Coen

HOLLYWOOD SEGÚN

LOS COEN

Blanca Paz García

Del mismo modo que Fellini sacó oro de una profunda crisis creativa logrando realizar su gran obra maestra Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), los hermanos Coen siguieron el mismo camino. Escribiendo el guión de la que llegaría ser una de sus películas más significativas, Muerte entre las flores (Miller’s Crossing, 1990) se vieron presos de un bloqueo creativo; entonces, en busca de soluciones, decidieron abandonar temporalmente este guión para escribir, sólo en tres semanas, Barton Fink. Gracias a este filme, no sólo consiguieron salir de la crisis creativa y terminar la escritura de Muerte entre las flores, sino que también lograron una obra de las más reconocidas de su filmografía: en 1991 en el Festival del Cannes Barton Fink se alzó con la Palma de Oroademás de los premios al Mejor director y Mejor actor. La omnipresencia de los Coen en este largometraje es evidente, como en todo lo que realizan: entre los dos se encargan de la producción, de la dirección, del guión y del montaje. De este modo, todas sus obras están impregnadas de un “aire Coen” inconfundible. En Barton Fink su presencia es evidente en la importancia de cada personaje. Para los Coen, sus películas son retratos de seres al margen de las convenciones sociales. A través de lugares concretos, en este caso el Hollywood de los 40, configuran a unos personajes cuya existencia está presente desde la propia puesta en escena.

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WALL·E (2008) de Andrew Stanton (II)

WALL·E: CLASICISMO

POSMODERNO

Germán Muñoz

Capítulo II: La imagen digital. Simulando una realidad

Como ya se ha comentado, Wall-e es una película generada íntegramente por ordenador. Esto conlleva hablar de todo lo que significa una decisión de estas características. En primer lugar, cabe señalar la relevancia de la imagen digital. Como bien señala Román Gubern, “en un mundo físico que ha revelado a lo largo de este siglo su discontinuidad estructural […] no es raro que se haya encontrado su unidad de representación visual óptima en el píxel” (Gubern, 1996:139). De hecho, la aparición del cine de animación implica ya desde sus orígenes una ruptura con la construcción de la realidad mediante el dispositivo cinematográfico. No obstante, en la denominada animación tradicional (aquella en la que cada fotograma es dibujado) sí que existe una captación de la imagen por parte del dispositivo cinematográfico: cada fotograma es fotografiado.

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EL AURA (2005) de Fabián Bielinsky

EL OJO DEL OBSERVADOR

Maximiliano Curcio

El Aura es para Bielinsky la continuación y la evolución profesional luego de su genial Nueve Reinas. La puerta indudablemente quedaba abierta a una exquisita carrera como realizador que ya marcaba signos de una autoría elaborada y que, con gran lamento y frustración queda trunca por culpa de su inesperada partida. Con El Aura Bielinsky entrega un sólido producto enmarcado en el género policial, con una producción cuidada hasta el más mínimo detalle y eso es lo que la hace una gran película. Desde su puesta en escena, su musicalizacion, su dirección de actores y su narrativa, todo en un contexto que por su paisaje inunda y sumerge al espectador en esos bosques interminables. El film adquiere sin duda un magnetismo muy especial y que atrapa de igual manera -si bien no remiten- al thriller urbano que fue Nueve Reinas con la febril y caótica Buenos Aires como escenario.

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LA COMUNIDAD (2000) de Álex de la Iglesia

UN POCO DE CARCAJADAS DOLOROSAS

Carolina González Pino

La comedia es el disfrute cruel frente al sufrimiento de los demás y es el único género que permite decir muchas cosas que otros géneros son incapaces de mostrar. Álex de la Iglesia se vale de esta premisa para contar esta historia. Para él somos buenos porque no se nos ha dado la posibilidad de ser malos y uno mismo se descubre riéndose de cosas que no debería reírse. Este director nos plantea el dilema moral sobre qué haríamos en determinadas situaciones que a simple vista juzgaríamos como injustas. Una comunidad, varios vecinos, un objetivo: conseguir a toda costa el dinero de un ex vecino que argumentan como suyo…pero, ¿de quién es realmente?

Es difícil hablar de un personaje principal en la historia. En La comunidad cada personaje aporta una dosis de locura y coherencia al relato cinematográfico. La comunidad misma es un personaje, ya que a partir de las reglas establecidas y los intereses en juego de sus integrantes surge todo este conflicto. Julia es el cáncer que llega a esa comunidad, queriéndose llevar lo que, a juicio del resto, no es de ella. En este caso, la felicidad de cada miembro pasa por la desgracia del otro; todos en esa comunidad se creen buenos y se sienten con el derecho a recibir ese dinero. La cuestión que hay que plantearse es ¿qué pasa cuando el “malo” tiene el mismo derecho que uno mismo? Por un lado, la comunidad entera ha esperado veinte años para cobrar ese dinero, ayudándose los unos a los otros, por otro Julia, que también lo encuentra, tiene ese derecho ya que ha esperado toda la vida para salir de su vida mediocre.

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LA CASA DEL ÁNGEL (1957) de Leopoldo Torre Nilsson

LOS OJOS DE ANA

Maximiliano Curcio

La casa del Ángel es una de las más destacadas películas de una década gloriosa para el cine argentino como la de los ’50, con realizadores de la talla de Fernando Ayala, Pino Solanas, David José Kohon y Simón Feldman, entre otros. Basada en el libro homónimo que escribió Beatriz Guido, fue justamente su esposo, el brillante Leopoldo Torre Nilsson quien adquirió principios estéticos y narrativos de la por entonces incipiente Nouvelle Vague francesa para rodar el film.

La historia esta centrada en la visión que tiene del mundo la protagonista del libro, Ana Castro: su adolescencia, los prejuicios de la época, el sexo, la represión de su madre, la violación que la misma sufre, el encierro y el sentido que de la política se tiene durante la película. La misma está enmarcada en los años ’20, una época socialmente corrosiva para nuestro país marcada por un apogeo político en tiempos de la Unión Cívica Radical. Se nos presenta un retrato de la clase alta de Buenos Aires al comienzo del siglo XX en la que los hombres se dedican al juego, al sexo libre, a la política y a enriquecerse (sin escrúpulos a veces) mediante ella. Las mujeres se dedican a la iglesia y a la crianza de los hijos. Bajo esta regla verticalista Ana ha pasado una vida protegida e inocente.

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NAZARÍN (1959) de Luis Buñuel

DIOS EN LA TIERRA

Blanca Paz García

En 1959 Luis Buñuel realiza Nazarín, film en el que, tal y como volvería a hacer en 1970 con Tristana, el director aragonés adapta una obra literaria de una de sus principales influencias, Benito Pérez Galdós. En ella el director introdujo importantes variaciones. Empezando por la más evidente, pero no la más relevante, la ubicación: en vez de siuarla en la provincia de Madrid tal y como se hace en la novela, la trama transcurre en México. La historia trata de mostrarnos una representación del propio Cristo a través del padre Nazario. Tanto el escritor como el director tratan de responder a la pregunta sobre la reacción de la sociedad contemporánea si Cristo reapareciera.

El filme comienza con la presentación de Don Nazario en el hostal: aquí podemos ver en la pobreza en la que vive, y su actitud pacífica ante las desgracias que le acechan diariamente: vemos en este primer contacto con el clérigo que no presenta queja ninguna a pesar de que le han robado (como le sucede muy amenudo) y aguanta sin alterarse los insultos que recibe por parte de tres mujeres que defienden a la ladrona. Posteriormente, dos visitantes acuden a la modesta habitación de Nazarín (estos dos se correspoden al propio autor y al periodista de quien se nos habla en el prólogo que sirve de introducción en la novela de Galdós).

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WALL·E (2008) de Andrew Stanton (I)

WALL·E: CLASICISMO

POSMODERNO

Germán Muñoz

Capítulo I: Patrones clásicos en la narración de Wall-E

Afirmar que Wall-e es una película estrictamente clásica resultaría un tanto equívoco e infundado. La mezcla de géneros y de estilos visuales que a lo largo del film van surgiendo resultan un tanto contradictorios a dicha afirmación. No obstante, es innegable que Wall-e sigue en su modo de representación y en su construcción de la narratividad las pautas del cine clásico de Hollywood. Robert Stam lo define de la siguiente manera:

“El cine clásico de Hollywood presenta a individuos psicológicamente definidos como principales agentes causales. Tales agentes se esfuerzan en resolver problemas concretos u obtener objetivos específicos, y la historia se cierra con la resolución del problema o con el éxito –o fracaso- rotundo en la consecución de sus objetivos. La causalidad que envuelve al personaje constituye el principio unificador fundamental, mientras que las configuraciones espaciales están motivadas por el realismo y por necesidades compositivas”.

(Stam, 2001:173)

Esta definición, breve pero concisa, marca aquellas pautas que rigen la narratividad del cine clásico. En este sentido, todos los personajes que aparecen a lo largo de Wall-e cumplen con la primera precisión de la que habla Stam. Así pues, el personaje de Wall-e, a parte de dejar claro al espectador a lo largo de la primera secuencia que es el protagonista, es presentado de tal modo que se evidencia que es bondadoso y amable.

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GRAN TORINO (2008) de Clint Eastwood. Análisis crítico (III)

LA ILUSTRACIÓN DEL CONCEPTO

DE COMUNAS CULTURALES

EN GRAN TORINO

Cristian Sánchez

CAPÍTULO III: EL SUBURBIO DE KOWALSKI

Una de las motivaciones más importantes para la creación de las comunas culturales es el sentimiento de exclusión de las tendencias de poder y riqueza imperantes. Según el trabajo de Sánchez Jankowski (4) el hecho de pertenecer a una determinada raza tiene menos peso a la hora de asumir la pertinencia a una comuna cultural que el sentimiento de exclusión. Es este el principal motivo que facilita la integración de muchos jóvenes que son seducidos por las formas comunitarias como medio para reforzar su identidad.

Los procesos de urbanización y después de suburbanización5 producidos en las ciudades norteamericanas a mediados de los años ciencuenta han provocado una concentración de inmigrantes más alta en los barrios periféricos. Los rasgos principales que han provocado la creación de esta “infraclase” (6) son la segregación espacial, una economía de la información desequilibrada y una política pública errónea. Este factor de segregación espacial está presente en Gran Torino de forma constante en la recreación de la realidad espacial en la que conviven las comunas culturales.

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LA SEÑAL (2007) de Ricardo Darín & Martín Hodara

EL BUEN GUSTO
DE LO CLÁSICO

Maximiliano Curcio

Ricardo Darín cumple con su debut detrás de las cámaras frente a la difícil tarea de continuar un proyecto que Eduardo Mignona había encaminado previo a su muerte. La inesperada partida del realizador de El Faro, El Viento y Sol de Otoño deja el proyecto en manos del talentoso actor argentino. Con la co-dirección de Martín Hodara, Darín se muestra como un director con futuro promisorio, sorprende con su nueva faceta de realizador y suma a su notable vigencia actoral una capacidad técnica y una visión de la puesta en escena admirables para un debutante. Filmada en tecnología digital (un notable avance a ojos del cine nacional) para ser luego convertida a 35 mm, esta producción hispano-argentina sobresale por el nivel de profesionalismo que otorga. Precisa a la hora de explorar todas las herramientas narrativas de un género con lenguaje propio y varias marcas registradas propias de su rica tradición en historia en Hollywood. Recordaremos desde las novelas de Dashiell Hammeth hasta los films más emblemáticos de los ’40, época de oro del cine noir gracias a las incursiones de maestros de la talla de Otto Premingter, Orson Welles o Fritz Lang.

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VIRIDIANA (1961) de Luis Buñuel

LA ESENCIA ATEO-CRISTIANA DE LUIS BUÑUEL

Blanca Paz García

"Viridiana es la película que continúa más estrechamente mi trayectoria de cineasta desde que rodé La edad de oro. De toda mi obra, estas dos películas son las que he dirigido con mayor libertad". Estas palabras de Luis Buñuel ponen de manifiesto que Viridiana es una obra de y por la libertad. Precisamente, estalló en la España franquista, convirtiéndose en un gran escándalo. Con esta obra, el aragonés devuelve al país el esplendor que la dictadura había silenciado o exiliado. Pudo hacer uso de la libertad que tanto apreciaba para hacer lo que más le motivaba: penetrar en el subconsciente colectivo de la tradición española y liberar las profundidades oscuras del pensamiento de los prejuicios tanto sociales como individuales.

Buena parte de la fuerza de Viridiana reside en su guión. Esto es una constante en las obras de Buñuel, ya que hay que recordar que empezó en el terreno de la escritura y él mismo reconocía la importancia del guión, del que, según él, "la película sale ya casi acabada". En este film, este trabajo de pluma se ve en la profundidad que tienen sus personajes, dotados de tintes surrealistas, y en los ambientes en los que transcurre la trama, que hablan por sí solos: un ejemplo de ello es la vivienda de don Jaime, alejada del bullicio, como si fuera su propia fortificación en la que vive sus fantasías sexuales recordando a su difunta mujer, que murió la noche de bodas.

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HISTORIA DEL WESTERN

EL GÉNERO CLÁSICO AMERICANO

POR EXCELENCIA

Maximiliano Curcio

El western es, sin lugar a dudas, el género clásico americano por excelencia y su marco histórico se sitúa en el Oeste Norteamericano del siglo XIX, con todas las connotaciones humanas, sociales y políticas de la época. Como género, su esplendor se ha mantenido a lo largo de la Edad de Oro del cine, pero su prominencia como tal ha decaído desde fines de la década de los ’70, si bien ha logrado en la década de los ’90 un reconocido, pero fugaz resurgir. El Western es el género que probablemente mejor defina a la industria cinematográfica de los Estados Unidos y con nostalgia se adentra en los años de expansión de la civilización por sobre las fronteras de los nativos en la conquista del territorio virgen. Las películas de este género se desarrollan en los estados del Oste norteamericano durante el periodo que abarca desde el comienzo de la Guerra Civil en 1860 hasta el final de las llamadas Guerras Indias en 1890, sin embargo, este periodo cronológico presenta sus alternativas. Algunos westerns incorporan la Guerra Civil, un conflicto esencialmente ligado al este del Río Mississippi, e incluso han cruzado la frontera norteamericana, frecuentemente en México.

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