SITGES 2010 - 43 FESTIVAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA (I)

DIARIO ZOMBI DE UN GALLEGO EN SITGES

Eloy Domínguez Serén

DÍAS I y II: UN ACUERDO TÁCITO (08/10/10)

Todo cinéfilo debe peregrinar a Sitges al menos una vez en la vida, independientemente del grado de devoción que sienta por el cine fantástico. De hecho, ¿qué es el cine fantástico? En los dos días que llevo en el festival he podido ver siete películas y ninguna de ellas se parecían entre sí. Es más, en siete película no he visto ni un sólo zombi, ni un vampiro, ni un alienígena... Tampoco hombres lobo, astronautas, monstruos horripilantes ni espectros. Y, sin embargo, sí, estoy en Sitges, en la 43ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Tal vez la mayor virtud del cine fantástico (sea lo que sea) es su invitación a rehusar cualquier tipo de prejuicio, alerta, reserva o sospecha. Lo que vas a ver no es real, ni pretende serlo, ni tan siquiera (en la mayoría de los casos) parecerlo. Esta premisa hace que te acomodes en tu butaca con el interruptor de la verosimilitud en posición de off, dispuesto a asimilar lo que te echen al cuerpo (y mente).

Puede gustarte o no lo que ves, parecerte bien o mal, pero al entrar en la sala firmas un acuerdo tácito con el film: todo vale. Eso no significa que no puedas estar en desacuerdo con la película, rechazarla o incluso ignorarla. Simplemente quiere decir que todo está permitido. La única regla es que no hay reglas. Sólo a través de este acuerdo podrían aceptarse films como Kaboom, de Gregg Araki, Confessions, de Tetsuya Nakashima o The door, de Anno Saul, por citar sólo tres de las cintas que he visto hasta ahora. ¡Bienvenidos a Sitges, amigos!

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BURIED / ENTERRADO (2010) de Rodrigo Cortés

TRIPLE MORTAL EN

ARENAS MOVEDIZAS

Eloy Domínguez Serén

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Sin rodeos: Buried es un thriller de suspense magistral, de lo mejor que ha dado el género en años. La película de Rodrigo Cortés me vence, me convence, me conmueve, me obliga a repetir. La veo de nuevo: me fascina, me impresiona, me inquieta, me perturba, me entusiasma... incluso con un mayor efecto que la primera vez. ¿Buscas una experiencia demoledora? Buried. ¿Un guión extraordinario? Buried. ¿Una interpretación sobrecogedora? Buried. ¿Una lección de lenguaje cinematográfico? Buried. Qué demonios, ¿buscas una obra redonda? Todos a una: Buried, Buried, Buried.

Al fin, el ansiado estreno en España. La bola de nieve que echó a rodar el pasado mes de enero en Sundance vuelve a casa antes de navidad, como la pesadilla, como la apisonadora que arrasó Toronto, Deauville y San Sebastián. La insólita y extravagante insensatez de Cortés y Chris Sparling completa un triple mortal para arrojarse de cabeza en arenas movedizas. Tira de pico y pala, cava un hoyo en la nada y saca a la superficie lo sublime. Algo nuevo bajo el sol. Algo bueno, muy bueno, demasiado bueno.

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Entrevista radiofónica a RODRIGO CORTÉS, director de BURIED

RODRIGO CORTÉS: “AGRADEZCO A LOS

OTROS DIRECTORES SU COBARDÍA”

Eloy Domínguez Serén

(El archivo sonoro de la entrevista está al final de este artículo)

En cuanto me enteré de que mis compañeros del programa 'A tarde' de Radio Galega iban a entrevistar a Rodrigo Cortés me fui directamente a pedirles que me dejasen participar. Son muchos los motivos por los que siento un especial afecto por el director ourensano. En primer lugar, porque fue el primer cineasta al que entrevisté en mi breve carrera de pseudocrítico, y ya sabéis lo que se dice de la primera vez... Además, ambos somos gallegos estrechamente vinculados a Salamanca. Él vivió en la ciudad charra casi toda su vida y yo estudié allí parte de mi carrera universitaria, donde escuché a menudo el nombre de Rodrigo en boca de profesores como Michi Huerta y Tomás Hijo. Además, ambos tenemos en Salamanca amigos en común, como el propio (y mítico) Tomás o la actriz Maribel Iglesias.

Además de un excepcional cineasta, Rodrigo Cortés es un magnífico comunicador. Tanto en la entrevista que le hice para Tribuna Universitaria como en esta para Radio Galega, así como las veces que lo he escuchado en radio y televisión, me ha impresionado su elocuencia y locuacidad, su sensatez y su retórica.

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Previa del estreno de BURIED / ENTERRADO (2010) de Rodrigo Cortés

UN DELEITE

CLAUSTROFÓBICO

Eloy Domínguez Serén

Paciencia, ya falta poco, muy poco para el ansiado estreno de Buried, el insólito thriller que ha asombrado a todo aquel que ya ha tenido la fortuna de verlo, desde Sundance hasta San Sebastián, pasando por Toronto y Deauville. Al fin, el próximo 1 de octubre llegará a nuestras carteleras.

Han pasado ya ocho meses desde que entrevistamos a Rodrigo Cortés tras el furor que provocó la cinta en el festival de Sundance (donde fue adquirida por la distribuidora Lionsgate por 3,2 millones de dólares) y los éxitos y elogios al director ourensano no han dejado de multiplicarse desde entonces.

La inusitada expectación que ha provocado esta película independiente ha desembocado en una difusión sin precedentes, ya que la cinta se estrenará en todo el mundo con 8000 copias, convirtiéndola en la producción íntegramente española con mayor distribución de la historia.Lo más asombroso es el contraste entre las colosales cifras de distribución y sus modestas cifras de producción: un presupuesto reducido, un actor, un ataúd, apenas diecisiete días de rodaje y seis semanas de montaje.

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SALVANDO LAS DISTANCIAS - Going the Distance (2010) de Nanette Burstein

LOS DERROTEROS DE

LA NUEVA COMEDIA AMERICANA

Eloy Domínguez Serén

Las fórmulas agotadas, trilladas e inamovibles comienzan a ser atractivas cuando se las considera un fértil caldo del cultivo para la reinvención. Esta reinvención puede realizarse desde la superación, la mutación, la ruptura o la reinterpretación, pero en todos los casos encierra un meditado análisis de los parámetros que han establecido una determinada convención.

Uno de los cineastas que más y mejor ha sabido adulterar los códigos de la maquinaria hollywoodiense durante los últimos años ha sido el neoyorkino Judd Apatow, considerado por parte de la crítica como uno de los principales impulsores de la “nueva comedia americana”.

Sin embargo, el responsable de éxitos como Supersalidos, Paso de ti o Lío embarazoso es sólo la punta de un voluble iceberg, en el que representa sólo una de las múltiples vertientes generadas por la renovación de la comedia romántica estadounidense.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (VII) - FESTIVAL DE VENECIA (VII)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA SIETE (07/09/10): EL PUTO AMO

Ya ha pasado mas de una hora desde que me destroce las manos aplaudiendo a Alex de la Iglesia y companhia, y sin embargo todavia continuo en estado de trance. Nunca, nunca me lo habia pasado tan bien en una sala de cine y, ademas, por supuesto, del equipo de Balada triste de trompeta, gran parte de culpa la tuvo, aunque suene de locos, el senhor Quentin Tarantino. He tenido a ese chiflado sentado delante de mi en la sala y el tio no ha dejado de partirse de risa durante toda la proyeccion, contagiando su histrionica carcajada a quienes estabamos a su alrededor. De hecho, muchos de los aplausos que recibio la pelicula durante la proyeccion los inicio el mismo. Fue increible ver a ese dios del cine disfrutando tanto o mas que cualquier otro espectador. Honestamente, aunque casi me vuelvo loco de extasis, no si quien se lo paso mejor, si el o yo.

Mientras todos mis companheros de 27 times cinema disfrutaban de una placida cena a la que nos habian invitado en la Villa degli Autori, yo chupaba frio sentado en el gelido cemento frente a la puerta lateral de la sala Grande, reservada a los acreditados. Queria ser el primer acreditado en entrar, y ya lo creo que lo fui. Una hora y cuarenta minutos de espera me aseguraron ese privilegio. Estoy loco? Tal vez, pero Alex de la Iglesia se lo merece (especialmente despues de ver el film). Ademas, gracias a ello pude pasar un buen rato con el equipo de Pequenhas voces, la cinta colombiana de animacion que tanto me gusto hace dos dias.

Al fondo de la sala, en lo alto: Alex de

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (VI) - FESTIVAL DE VENECIA (VI)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA SEIS (06/09/10): GRAN DIA DE CINE

(P.D. NOOMI RAPACE, I LOVE YOU)

Hoy ha sido un gran dia de cine. Una de las mayores virtudes de eventos como la Mostra de Venecia es la de poder ver, como hice hoy, cuatro peliculas completamente diferentes (Meek’s Cutoff, Beyond, Cirkus Columbia y The ditch) procedentes de cuatro paises totalmente diferentes (Estados Unidos, Suecia, Bosnia-Herzegovina y China).

Tras haberme acostado anoche a las seis y media de la madrugada, decidi tomarme la manhana de hoy libre y no asisti ni a la proyeccion de Di renjie zhi Tongtian diguo ni al debate, cuyo titulo era "Which form will tomorrow’s cinema take?".

Por lo tanto, la jornada no comenzo para mi hasta las 13.15, con la proyeccion del western estadounidense Meek’s Cutoff, en competicion en la seccion oficial (Venezia 67). En esta ocasion caminaba sobre terreno firme, ya que tenia buenas referencias de este filme dirigido por Kelly Reichardt. Ambientado en 1845, narra la historia de la desesperada busqueda por parte de tres familias colonas de un nuevo asientamiento en el arido, inerte e inmenso desierto de Oregon.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (IV) - FESTIVAL DE VENECIA (IV)

DIARIO DE UN GALLEGO
EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA CUATRO (04/09/10): CUATRO

PROYECCIONES Y UN FUNERAL

Lamentablemente, hoy he tenido que perderme uno de los platos fuertes de la seccion oficial: Somewhere, de Sofia Coppola. Sin embargo, afortunadamente, fue por un buen motivo, ya que esta manhana he sido entrevistado en la radio italiana (digo “radio italiana” porque no tengo ni idea de cual es la emisora).

Por cierto, si notais que en este articulo no uso ni tildes ni esa letra tan caracteristica del espanhol es porque la primera noticia que recibi al despertarme, antes incluso de saber que iba a ser entrevistado en la radio, fue que mi portatil ha muerto (de ahi el funeral del titulo de este post). Inexplicablemente ha dejado de funcionar de repente y me ha dejado en la estacada. Por fortuna, mi companhero irlandes Conall O’Duibhir ha sido muy gentil ofreciendome usar su “laptop”.

Tras la entrevista radiofonica participe en un nuevo debate en la Villa degli autori. En esta ocasion el titulo era The soul of cinema: memory and roots, y algunos de los ponentes fueron Giogio Gosetti (director de la seccion Giornate degli autori), Daniele Segre y Marion Hansel. En esta ocasion el debate fue mucho mas dinamico que en otras ocasiones y muchos de ‘los 27’ tuvimos la oportunidad de exponer nuestro punto de vista acerca del tema principal: la Historia del siglo XX narrada a traves del cine.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (III) - FESTIVAL DE VENECIA (III)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Domínguez Serén

DÍA TRES (03-09-10): EL DILUVIO

Hoy he vivido una experiencia realmente interesante. Esta mañana “los 27” asistimos a un debate sobre la violencia en el cine titulado Fear knocks at the doors: Public and private violence, pero tuvo que ser cancelado antes de tiempo debido a un feroz diluvio que nos cogió a todos por sorpresa.

Mientras buscaba cobijo para resguardarme de la lluvia me encontré por casualidad con Irene De Angelis, la protagonista de Amore Buio, de la que ayer dije que no me había gustado su interpretación. El chaparrón cayó durante bastante tiempo, así que Irene y yo pasamos un largo rato hablando sobre Nápoles (la ciudad en la que se ambienta la cinta), sobre la historia que narra la película, sobre las posibles lecturas de esta y, sobre todo, acerca de su interpretación.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (II) - FESTIVAL DE VENECIA (II)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA DOS (02/09/10): MACHETE KILLS AGAIN

Desde la primera vez que vi el supuesto falso trailer de Machete (exhibido en el proyecto Grindhouse del tándem Tarantino-Rodríguez) no he dejado de preguntarme cómo habría sido esa película si realmente se llegase a filmar. Hoy, desde Venecia, ya puedo decir que Machete es deliciosamente demencial, admirablemente inverosímil, asombrosamente gamberra, sabiamente irreverente, hilarantemente perversa, incondicionalmente populista, excesivamente extrema y extremamente excesiva, además de socarrona, sangrienta e infinitamente tronchante…

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (I) - FESTIVAL DE VENECIA (I)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DÍA UNO (01/09/10): BENVENUTI A VENEZIA

Escribo estas palabras mientras saboreo una ensalada de “pomodoro, bufala, gamberini e rucola” en una terraza de Via Sandro Gallo, una de las principales arterias de Lido, la zona de Venecia en la que se concentra toda la actividad de la 67 Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

Mientras permanezca por estas tierras me he propuesto llevar a cabo una especie de diario, cuaderno de bitácora o incluso manual de supervivencia que actualizaré diariamente en este blog.

Pero, en primer lugar ¿qué diablos pinto yo aquí? Por extraño que pueda sonar, he sido invitado por la organización del festival, el comité de cultura y educación del Parlamento Europeo y la institución Europa Cinemas como miembro del proyecto 27 Times Cinema.

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TWO LOVERS / Los Amantes (2008) de James Gray

EL CAMINO MENOS TRANSITADO

Eloy Domínguez Serén

La literatura, el teatro y el cine nos fascinan, nos conmueven y nos emocionan porque poseen la excepcional virtud de introducirnos allí donde nadie puede adentrarse: en la recóndita intimidad de los seres humanos. Sin embargo, el deleite voyeurista intrínseco al lector/espectador no se satisface al traspasar el linde entre lo personal y lo íntimo, sino al sensibilizarse con las vivencias que presencia al cruzar ese límite.

Muchos personajes e historias logran generar interés, afinidad o empatía, pero son escasas las ocasiones en que consiguen realmente despertar en nosotros una verdadera implicación emocional.

Mi aspiración como apasionado espectador de cine no es la de contemplar una película, sino la de interiorizarla, habitarla, respirarla y compartirla. En definitiva, vivirla. Por ese motivo, doy las gracias a James Gray por haber filmado Two Lovers.

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PRÓXIMAMENTE EN SUS PANTALLAS

“EN 3-D, POR FAVOR”

Julio C. Piñeiro

Pese a no haber levantado el Oscar el pasado 7 de marzo, el triunfo de Avatar y su exhibición en 3-D es incontestable, habiendo batido todos los registros de taquilla posibles. Tanto es así que las majors, que de primeras se mostraban escépticas ante la fórmula de James Cameron, han decidido subirse al tren y “tridimensionalizar” sus productos estrella de la primavera, aún cuando no fueron originalmente concebidos en 3-D, mediante un proceso de “copia y pega” que ha levantado ya varias críticas. Lo contaba con más detalle esta semana Toni García, en El País (ver artículo).
Pero la cosa funciona. Furia de titanes, blockbuster de acción convertido a las tres dimensiones a última hora (lo suficiente como para hinchar el precio de la entrada), se ha comido la taquilla de la Semana Santa, y pese a su pobre valoración, así seguirá un par de semanas, cuando será desbancada por Tim Burton y su versión de Alicia en el País de las Maravillas, que se estrenará un mes después de lo previsto, con la vitola de haber superado el récord de recaudación en el primer fin de semana (que ostentaba, cómo no, Avatar), tras una recepción tibia de la crítica y de un amplio sector de la audiencia, y sumida de lleno en esa polémica disyuntiva 2-D/3-D.

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SANGRE FÁCIL / SIMPLEMENTE SANGRE - Blood Simple (1984) de Joe & Ethan Coen

CAMINO A LA PERDICIÓN

Maximiliano Curcio

La opera prima de los talentosos hermanos Coen no podría haber sido un debut cinematográfico mas perfecto, promisorio y visionario respecto de una de las duplas de cineastas mas talentosos del ultimo cuarto de siglo que Hollywood haya dado. Esta extraña pareja se ha constituido en un estándarte del aciago cine de autor norteamericano en las últimas dos décadas. Simplemente Sangre (Blood Simple, 1984) se erige como un facsimil razonable de la mejor época del cine negro, y con reminiscencias de las grandes obras de Orson Welles o Billy Wilder así como también precursora de otras gemas coenianas del policial negro como Miller’s Crossing o Fargo. El film es una historia de infidelidad, engaño y asesinato donde venganzas, equívocos y traiciones se iran desarrollando a medida que esta trama avanza.

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BARTON FINK (1991) de Joel & Ethan Coen

HOLLYWOOD SEGÚN

LOS COEN

Blanca Paz García

Del mismo modo que Fellini sacó oro de una profunda crisis creativa logrando realizar su gran obra maestra Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), los hermanos Coen siguieron el mismo camino. Escribiendo el guión de la que llegaría ser una de sus películas más significativas, Muerte entre las flores (Miller’s Crossing, 1990) se vieron presos de un bloqueo creativo; entonces, en busca de soluciones, decidieron abandonar temporalmente este guión para escribir, sólo en tres semanas, Barton Fink. Gracias a este filme, no sólo consiguieron salir de la crisis creativa y terminar la escritura de Muerte entre las flores, sino que también lograron una obra de las más reconocidas de su filmografía: en 1991 en el Festival del Cannes Barton Fink se alzó con la Palma de Oroademás de los premios al Mejor director y Mejor actor. La omnipresencia de los Coen en este largometraje es evidente, como en todo lo que realizan: entre los dos se encargan de la producción, de la dirección, del guión y del montaje. De este modo, todas sus obras están impregnadas de un “aire Coen” inconfundible. En Barton Fink su presencia es evidente en la importancia de cada personaje. Para los Coen, sus películas son retratos de seres al margen de las convenciones sociales. A través de lugares concretos, en este caso el Hollywood de los 40, configuran a unos personajes cuya existencia está presente desde la propia puesta en escena.

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HUNGER (2008) de Steve McQueen. Análisis crítico (5/5)

HUNGER: EL CUERPO COMO

ESCENARIO DEL CONFLICTO

Eloy Domínguez Serén

CAPÍTULO V: LA REPRESENTACIÓN DE LA NUEVA CARNE

Hunger es, ante todo, un estudio del cuerpo humano. Desde el primer plano del film, en el que el guardia Raymond Lohan baña en agua caliente sus nudillos destrozados, la obra de Steve McQueen plantea una reflexión acerca de los límites del cuerpo humano, tanto desde el punto de vista de la fisiología como de la moralidad.

Tal y como señala el escritor y periodista Sukhdev Sandhu, esta película es “un inolvidable retrato de la masculinidad maltratada y automaltratada, un visceral (…) despertar de los recuerdos reprimidos” [1]. Las relaciones entre los personajes masculinos de esta película se caracterizan por la crueldad, la brutalidad, el desprecio, la humillación… en definitiva, por la carencia absoluta de humanidad.

Su convivencia se rige por una despiadada lucha de poder y autoridad. Si bien los guardias manifiestan su dominio sobre los presos a través de la degradación y el maltrato físico, los reclusos republicanos sacrifican su cuerpo como expresión última de su libertad. En contraposición a la idea platónica del cuerpo como prisión del alma, los miembros del IRA revelan a través de su carne la voluntad de su alma.

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JUVENTUDE EM MARCHA / COLOSSAL YOUTH (2006) de Pedro Costa (3/4)

PEDRO COSTA: EL AUTOR

COMO DISOLUCIÓN

Azahara Cerezo

Lisboa es el punto neurálgico por excelencia de Portugal. La capital de la burocracia en un país marcadamente centralista convive con un barrio que, bastantes lisboetas, confiesan haber conocido a través de las películas de Pedro Costa. El urbanismo incoherente de Lisboa no es nada comparado con el vacío en la construcción de los nuevos edificios blancos de Fontainhas.

Pero Costa encuentra en este barrio un vínculo que le lleva a pensar en responsabilidad respecto de éste. Lo que hay en el barrio es una ciudad árabe, “cada casa es una ciudad” (Neyrat, 2008: 126), una historia auténtica, unas catacumbas. El punto de partida es, pues, una ciudad encontrada, una found architecture, algo que lleva indisolublemente consigo un vínculo con el pasado. La imagen de la arquitectura ya es, por sí misma, documental, al constituir una huella memorizada de un presente concreto (Català, 2009: 111). La tarea de Costa parece ser exhumar esta retahíla de sustratos. Y hablando de Fontainhas esto no puede ser más que historias miserables, de inmigración, drogas y duros trabajos.

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CORAZÓN REBELDE / LOCO CORAZÓN - Crazy Heart (2009) de Scott Cooper

CUMBRES RESACOSAS

Julio C. Piñeiro

Se agradece. Que se usen los lugares comunes y las situaciones digeridas con cabeza, y resulten agradables. Que se impregne de personalidad y sentimiento un tipo de historia que típicamente de ello presume pero más bien parece. Que se le de completamente la vuelta a la tortilla de la dialéctica global del film.

Porque en la mayoría de estas historias, se mueven en unos dos primeros actos rebosantes de patetismo y desasosiego tratados con tono hiper lastimoso para luego, de repente, colarnos un tercer acto en el que el optimismo y el ‘todos contentos’ más gratuito y poco elaborado hace acto de presencia.

Aquí es todo lo contrario. Puede que nuestro protagonista y sus situaciones sean cada vez más patéticas y lamentables, pero todo dentro de la normalidad, de su normalidad, ya que él está bien así, o al menos así prefiere pensarlo, y la película no hace esfuerzos por demostrarnos lo contrario. Por tanto, puede incluso que nos quiera hacer pasar lo desagradable como agradable (o al menos, aséptico) al mismo tiempo que construye hábilmente un gran personaje, puede que muy reconocible, pero también irremediablemente genuino (y no sólo como músico).

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NAZARÍN (1959) de Luis Buñuel

DIOS EN LA TIERRA

Blanca Paz García

En 1959 Luis Buñuel realiza Nazarín, film en el que, tal y como volvería a hacer en 1970 con Tristana, el director aragonés adapta una obra literaria de una de sus principales influencias, Benito Pérez Galdós. En ella el director introdujo importantes variaciones. Empezando por la más evidente, pero no la más relevante, la ubicación: en vez de siuarla en la provincia de Madrid tal y como se hace en la novela, la trama transcurre en México. La historia trata de mostrarnos una representación del propio Cristo a través del padre Nazario. Tanto el escritor como el director tratan de responder a la pregunta sobre la reacción de la sociedad contemporánea si Cristo reapareciera.

El filme comienza con la presentación de Don Nazario en el hostal: aquí podemos ver en la pobreza en la que vive, y su actitud pacífica ante las desgracias que le acechan diariamente: vemos en este primer contacto con el clérigo que no presenta queja ninguna a pesar de que le han robado (como le sucede muy amenudo) y aguanta sin alterarse los insultos que recibe por parte de tres mujeres que defienden a la ladrona. Posteriormente, dos visitantes acuden a la modesta habitación de Nazarín (estos dos se correspoden al propio autor y al periodista de quien se nos habla en el prólogo que sirve de introducción en la novela de Galdós).

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HUNGER (2008) de Steve McQueen. Análisis crítico (4/5)

HUNGER: EL CUERPO COMO

ESCENARIO DEL CONFLICTO

Eloy Domínguez Serén

CAPÍTULO IV: CINE E HISTORIA, POLÍTICA Y TERRORISMO

Si bien en el capítulo introductorio señalábamos que Hunger representa una anomalía, desde el punto de vista de su planteamiento formal, respecto a las propuestas cinematográficas que tradicionalmente han examinado el conflicto irlandés; la cinta de Steve McQueen comparte con todas ellas el estatus de cine político, así como una voluntad manifiesta de exponer un acontecimiento histórico real. Sin embargo, la categoría de cine histórico, apoyada en la interpretación de los hechos a la hora de construir sus tramas, ha sido habitualmente desacreditada por determinados sectores bajo la acusación de no ser un soporte lícito para la construcción del discurso histórico.

Prueba de ello, por ejemplo, fue la conocida queja que, en 1935, el historiador Louis Gottschalk remitía a la Metro-Goldwyn-Mayer, en la que denunciaba que “en la medida en que el cine toma con tanta frecuencia temas de la Historia, se ha de sentir obligado – ante los profesionales de la materia y ante la propia disciplina – a ser más preciso”. Y sentenciaba que “ninguna película de naturaleza histórica debe ofrecerse al público hasta que un reputado historiador la haya criticado y corregido” [1].

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