67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (X) - FESTIVAL DE VENECIA (X)

LA MOSTRA SEGÚN

(PARTE DE) LA CRÍTICA

Eloy Domínguez Serén

Conocemos cuál fue el veredicto del jurado de la sección oficial de la 67 Mostra de Venecia, formado por Quentin Tarantino, Guillermo Arriaga, Ingeborga Dapkunaite, Arnaud Desplechin, Danny Elfman, Luca Guadagnino y Gabriele Salvatores. Sin embargo, ¿cuál fue la valoración de las veinticuatro películas que competían por el León de Oro por parte de la crítica internacional? Veamos cuál fue la opinión de veintiún críticos de veintiún medios distintos (eso sí, la mitad de ellos italianos).

A lo largo de todo el festival, la guía Venezia News publicó diariamente un especial llamado Stars & Stripes, en el que una tabla mostraba a través de las famosas (y dichosas) estrellitas la valoración de críticos de medios como The Daily Telegraph, Herald Tribune, Le Monde, Positif o La Repubblica (por cierto, no incluyeron a ningún representante español).

Atendiendo a sus votaciones, la favorita de la crítica habría sido la rusa Silent Souls (Ovsyanki), de Aleksei Fedorchenko, con una nota media de 3,9 puntos sobre 5 (esta cinta fue premiada con la Osella a la mejor fotografía). Sólo una décima por debajo se sitúa la chilena Post Mortem (3,8), de Pablo Larraín, que, sin embargo, se volvió de Lido con las manos vacías. Completa el podio la “película sorpresa” de la sección oficial, la china The Ditch, de Wang Bing.

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (II) - FESTIVAL DE VENECIA (II)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DIA DOS (02/09/10): MACHETE KILLS AGAIN

Desde la primera vez que vi el supuesto falso trailer de Machete (exhibido en el proyecto Grindhouse del tándem Tarantino-Rodríguez) no he dejado de preguntarme cómo habría sido esa película si realmente se llegase a filmar. Hoy, desde Venecia, ya puedo decir que Machete es deliciosamente demencial, admirablemente inverosímil, asombrosamente gamberra, sabiamente irreverente, hilarantemente perversa, incondicionalmente populista, excesivamente extrema y extremamente excesiva, además de socarrona, sangrienta e infinitamente tronchante…

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67 MOSTRA INTERNAZIONALE D'ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA (I) - FESTIVAL DE VENECIA (I)

DIARIO DE UN GALLEGO

EN VENECIA

Eloy Dominguez Seren

DÍA UNO (01/09/10): BENVENUTI A VENEZIA

Escribo estas palabras mientras saboreo una ensalada de “pomodoro, bufala, gamberini e rucola” en una terraza de Via Sandro Gallo, una de las principales arterias de Lido, la zona de Venecia en la que se concentra toda la actividad de la 67 Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

Mientras permanezca por estas tierras me he propuesto llevar a cabo una especie de diario, cuaderno de bitácora o incluso manual de supervivencia que actualizaré diariamente en este blog.

Pero, en primer lugar ¿qué diablos pinto yo aquí? Por extraño que pueda sonar, he sido invitado por la organización del festival, el comité de cultura y educación del Parlamento Europeo y la institución Europa Cinemas como miembro del proyecto 27 Times Cinema.

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LEER CINE: EL DOCUMENTAL. HISTORIA Y ESTILO (1974) de ERIK BARNOUW

EL DOCUMENTAL.

HISTORIA Y ESTILO

Eloy Domínguez Serén

En 1974, la Oxford University Press publicaba la primera edición de una de las obras más influyentes de cuantas se han escrito sobre cine documental. Documentary: A History of the Non-Fiction Film, obra del prestigioso historiador estadounidense de origen holandés Erik Barnow, es una concienzuda y grandilocuente retrospectiva de la historia de cine documental, desde los primeros experimentos de Eadweard Muybridge y la presentación del cinématographe de Louis Lumière, hasta el impacto del documental sobre el medio televisivo tras la guerra de Vietnam, primer conflicto bélico filmado en directo.

A lo largo de este didáctico viaje a través de más de un siglo de vida de cine documental, Barnouw estructura esta disciplina en trece categorías temático-cronológicas, en función de factores sociales, políticos, culturales y tecnológicos.

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ESPECIAL ORSON WELLES

EL ÚLTIMO DE LOS

RENACENTISTAS

Maximiliano Curcio

Genio y figura. No habrá otro igual. Es un caso de trascendencia única este multifacético Orson Welles de quien el pasado 6 de Mayo se cumplieron 95 años de su nacimiento. Coincidiendo con el 25º aniversario de su desaparición física, a los 70 años, la misma se produjo justo a tiempo cuando los críticos de la época y el publico que durante tanto años le diera la espalda comenzaban a reconocerlo con el talento que tuvo y con la trascendencia que su figura implicó para un autentico pionero e inventor que revoluciono las bases del cine de su tiempo y del futuro. Para entender la permanencia de su figura a lo largo de los años y lo que su obra contribuyó al progreso del cine basta evidenciar el adelanto cronológico de sus obras en cuanto a una técnica depurada gracias a recursos renovados y a una narrativa dramática desconocida hasta entonces. También, y como muchas de sus películas lo muestran, sentó las bases para la evolución en la puesta en escena, el cine de autor y el genero noir, entre muchas ramas cinematográficas que revolucionó.

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Series de TV - PERDIDOS (LOST) - Series Finale

EMOTIVIDAD A FALTA
DE RESPUESTAS

Julio C. Piñeiro

Una semana después, el controvertido y esperado y final de Lost sigue dando que hablar, y así lo hará durante mucho tiempo. Lejos de ceñirnos a la reseña de turno, hemos preferido ir más allá, y elaborar una crónica medianamente global de las reacciones, realizando un compendio selectivo de una semana de buceo por una parte, aún minúscula pero significativa, de la intensa y prolífica actividad que el gran final en particular, y la última temporada en general, han suscitado en multitud de webs, generalistas o especializadas, innumerables foros y blogs o variopintos grupos y páginas de Facebook, pero siempre bajo la óptica de un claro posicionamiento y huyendo de la ambigüedad.

The end logró el récord de audiencia de la serie en EEUU, con 13,5 millones de personas de media (15,3 millones en la última media hora). Eso sí, lejos del adiós de Seinfeld (76 millones) o Friends (52 millones).

La inevitable decepción

La innegable verdad es que, no tanto el capítulo en sí, sino su secuencia final, me cautivó en el momento, y no he sido el único. Supone la culminación de esos momentos emotivos colectivos, que representaban esos reencuentros en la playa, cada vez que algún personaje volvía sano y salvo de alguna expedición en busca de respuestas. Esa enigmática realidad alternativa resultó ser un especie de limbo atemporal, de lugar místico, o cósmico, en el que van a para todos. Así, esa recurrente sentencia de “live together, die alone” se transforma en “live together, die together”, con todos (o casi todos) caminado juntos hacia el más allá. Todo un homenaje final a los personajes de la serie, un guiño a los primeros compases de su estancia en una isla que los marcó para siempre. Entertainment Weekly destacó la «épica» de este último episodio unida a la emoción sentida por el espectador al recordar la ficción desde el inicio, con la llegada de aquellos personajes que se habían marchado. Aprovecharon ese "limbo" para que tuviéramos algo parecido a un final feliz y que pudiéramos despedirnos de los personajes que durante 6 temporadas nos tuvieron enganchados. En ese lance final, fue clave, como tantas veces, la excelente música de Michael Giacchino, que sin duda se constituyó desde el inicio como uno de los pilares del éxito se la serie.

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EL DÍA DE LA BESTIA (1995) de Álex de la Iglesia

LA AMBIGÜEDAD DEL MAL

Blanca Paz García

Cínica, crítica y cómica, estos son los tres adjetivos que se ajustan con mayor precisión a El día de la bestia, primer éxito comercial del director vasco Álex de la Iglesia, quien declaró sobre la misma haber sido la película que más alegrías le ha proporcionado.

Si Acción mutante (1993) se sustenta en la represión y la marginalidad, El día de la bestia gira en torno a la idea del fracaso social en gran parte propiciado por la mentira mediática en la que se vivía a mediados de los noventa y en la que aún seguimos inmersos. La puesta en escena plasma también está idea de consumismo loco plagando la diabólica noche madrileña de luces de neón procedentes de anuncios publicitarios: llega a su máxima expresión cuando los tres protagonistas intentan escapar del apartamento a través del conocido anuncio de Schweppes situado en Gran Vía. Los medios de comunicación transmiten unos valores que ciegan a la población de tal manera que no reconoce el Mal aunque lo tengan delante de los ojos ya que, por culpa de los estereotipos, lo verá donde no esté.

El protagonista es Ángel, un catedrático de la Universidad de Deusto, que está convencido de que el Anticristo nacerá en Madrid a las doce de la noche del 25 de diciembre de ese año. Ángel quiere eliminarlo, pero ignora el lugar del alumbramiento. El protagonista pertenece a la sociedad hegemónica y, al ser clérigo católico, mediante él, se representa a esa parte de la misma.

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ESPECIAL STAR WARS

LA MASIFICACIÓN DEL
CINE DE GÉNERO

Julio C. Piñeiro

En el imaginario de todo amante o aficionado al cine se reserva un lugar especial para la década de los '70, aquel mágico decenio en el que La Industria, o sea, Hollywood y su entorno, fueron tomados y comandados por cineastas que bebieron de la época dorada del cine de autor en Europa (focalizada especialmente en las cinematografías italiana y francesa), sin olvidarse de la obligada referencia didáctica de los maestros orientales, con el emperador Kurosawa a la cabeza. Con estos ingredientes, y una política de estudios propicia, la resaca de la revolucionarios '60 se convirtió en la mejor cosecha del cine estadounidense, aquel que sí llegaba a todas y cada una de la salas del mundo.

Nos vienen a la cabeza los nombres de Coppola, Scorsese, Bogdanovich, Cimino, y un largo etcétera. Pero al mismo tiempo, iba germinando una tendencia, coetánea pero espiritualmente diferente y puede que incluso opuesta, que de alguna manera, más bien impremeditada, acabaría por revertir la tendencia y fijar las bases de la política de producción actual. Hablo, cómo no, de las figuras de George Lucas y Steven Spielberg, cuya cultura fílmica residía más en el cine de género (ya fuese en forma de producción de serie B como en formato televisivo) que en las cinematografías de autor extranjeras de las que bebieron sus contemporáneos. Así, sus películas no llegaron a ser las obras maestras del momento (quizás tampoco lo ambicionaban) pero sí cambiaron para siempre la industria, y sobre todo (ciñéndose a lo estrictamente cinematográfico), la manera de concebir el cine de género, especialmente el de ciencia-ficción.

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HISTORIA DEL WESTERN

EL GÉNERO CLÁSICO AMERICANO

POR EXCELENCIA

Maximiliano Curcio

El western es, sin lugar a dudas, el género clásico americano por excelencia y su marco histórico se sitúa en el Oeste Norteamericano del siglo XIX, con todas las connotaciones humanas, sociales y políticas de la época. Como género, su esplendor se ha mantenido a lo largo de la Edad de Oro del cine, pero su prominencia como tal ha decaído desde fines de la década de los ’70, si bien ha logrado en la década de los ’90 un reconocido, pero fugaz resurgir. El Western es el género que probablemente mejor defina a la industria cinematográfica de los Estados Unidos y con nostalgia se adentra en los años de expansión de la civilización por sobre las fronteras de los nativos en la conquista del territorio virgen. Las películas de este género se desarrollan en los estados del Oste norteamericano durante el periodo que abarca desde el comienzo de la Guerra Civil en 1860 hasta el final de las llamadas Guerras Indias en 1890, sin embargo, este periodo cronológico presenta sus alternativas. Algunos westerns incorporan la Guerra Civil, un conflicto esencialmente ligado al este del Río Mississippi, e incluso han cruzado la frontera norteamericana, frecuentemente en México.

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PREMIOS OSCAR 2010: PREVIA

UNA CINTA INDEPENDIENTE

DESAFÍA AL COLOSO DIGITAL

Eloy Domínguez Serén

Primero fueron los premios de la crítica estadounidense, luego los Globos de Oro, después los premios de los sindicatos de productores, directores y guionistas y, finalmente, los BAFTA, premios que otorga la Academia de Cine y Televisión Británica, sin olvidar los César de la Academia Francesa y los Goya.

Como cada año desde 2002, el Kodak Theatre de Los Ángeles pondrá el broche final a dos intensos meses de incesantes ceremonias de entrega de premios. El teatro californiano acogerá el próximo domingo 7 de marzo la gala de los Premios Oscar, que este año alcanzará su edición número ochenta y dos.
Tras el alto nivel de la edición de 2008, en la que cintas como No es país para viejos, Pozos de ambición, Expiación o Juno optaban al premio a la mejor película, la de 2009 (en la que la vencedora fue Slumdog Millionaire) fue una cosecha bastante discreta. Tal vez ese haya sido uno de los motivos por los que la organización de la presente edición ha tomado la cuestionable decisión de proponer este año hasta diez cintas al Oscar a la mejor película, circunstancia que no se producía desde 1943, año en que se impuso la legendaria Casablanca.

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ESPECIAL ALFRED HITCHCOCK

EL MAESTRO DE LA SUGESTIÓN

Maximiliano Curcio

Es el gran manipulador, el rey del suspense, amo y señor de la sugestión. Los autores de Cahiers du Cinema lo encumbraron con numerosísimos ensayos y, como primera fuente del corpus de la crítica establecido en los años cincuenta como genero periodístico, han guardado a Hitchcock un lugar en el privilegiado Olimpo de sus intocables. Desde Truffaut, pasando por Rohmer y llegando a Bazin, los críticos de la revista francesa le han dedicado cientos de páginas alabándolo. La corriente británica de Wood y Perkins también se han centrado en analizar su obra. Sus obras, universalmente reconocidas, están entre las más grandes películas de todos los tiempos, obras con la fuerte impronta de su director, a través de las cuales puede llegar a entenderse, a comprenderse, a vislumbrarse la profunda, coherente y comprometida visión de este cineasta, así como el innegable aporte cinematográfico que dejó su notable legado. Alfred Hitchcock marcó a fuego un hito imprescindible en la historia del cine.

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EL EFECTO RASHOMON (8/8): Último capítulo

EL EFECTO RASHOMON

Julio C. Piñeiro

VI. Más allá del efecto Rashomon: discontinuidad en los universos narrativos.

b. David Lynch: relatos del subconsciente.

1. Carretera perdida: ¿Fred o Pete?

Podría haber elegido Cabeza borradora para continuar el análisis de este tipo de discontinuidad, ligada al surrealismo cinematográfico y a la obra de Buñuel, por tratarse de una propuesta bastante seguidora de esta tendencia, ya desde el comienzo. Pero prefiero pasar a hablar de dos films posteriores que, por el contrario, empiezan como películas “normales”, al menos en el sentido de fijar de inicio unos protagonistas y unos lugares más o menos estables y presentados de una forma inmediata y fácilmente asimilable.

La primera de ellas es Carretera perdida, realizada en 1997.

Comienza con un interfono en el que se escucha “Dick Laurent está muerto”. El protagonista (Fred, en la piel de Bill Pullman), sale a la ventana y no ve a nadie. Seguidamente se termina de presentar a los protagonistas: Fred, del que ahora sabemos que se gana la vida como músico de jazz, y su mujer (Renee, Patricia Arquette). El lugar: su casa. La situación: una incipiente crisis matrimonial, debida a la insuficiencia sexual del hombre y a sus celos.

Poco después, reciben un par de cintas de video, en las que se ven imágenes del exterior de su casa, en la primera, y del interior, en la segunda. Estamos sin duda ante un film de misterio, un thriller. Hasta ahora todo tiene o puede tener una lógica.

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EL EFECTO RASHOMON (7/8)

EL EFECTO RASHOMON

Julio C. Piñeiro

VI. Más allá del efecto Rashomon: discontinuidad en los universos narrativos.

a. Los precedentes: Buñuel y el surrealismo.

Llegamos al punto de explicar el quizás mayor grado de discontinuidad: la transformación “aleatoria” de los universos narrativos dentro de la misma película. Ya no se trata sólo de una cuestión de espacio, tiempo o perspectiva, sino además de un íntegro universo narrativo diferente, el grado máximo de alteración de la linealidad de la narración. Voy a situar el primer precedente de esta modalidad en una de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, puede que aquella más importante, controvertida y revolucionaria: el surrealismo.

1. Un perro andaluz: el surrealismo llega al cine.

En 1929, Luis Buñuel, sin dudas un director más que fundamental en la historia del cine, y Salvador Dalí, pintor español estandarte del surrealismo, deciden realizar una obra fílmica de aproximadamente 15 minutos. El objetivo era solamente uno: que ninguna de las imágenes contenidas en el film tuviese una explicación racional, al menos de forma inmediata.

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EL EFECTO RASHOMON (6/8)

.......EL EFECTO RASHOMON

Julio C. Piñeiro

V. Efecto mixto: historias cruzadas & desorden temporal.

Pulp fiction: la revolución en el tiempo.

Pulp fiction, dirigida por Tarantino en 1994, vencedora de la Palma de Oro de Cannes, sea quizás la película con la mayor revolución en la línea narrativa, junto a Rashomon y Memento. Las historias que contiene, además de mezclarse, van adelante y atrás. El film comienza y finaliza en el mismo punto, situado en el medio de la linea temporal, después de haber visto todo lo que sucede antes y después. Las distintas tramas tienen eventos en común, pero en este caso el director se toma la licencia de tener total libertad en la ordenación de los eventos.

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PREMIO CINEUROPA 2009: FERNANDO TRUEBA

HUMOR GLOBAL

Julio C. Piñeiro

En el día de ayer, el director, guionista y productor madrileño Fernando Trueba recibió el Premio Cineuropa, que en cada edición galardona a cineastas y actores en homenaje a su trayectoria. A la entrega del premio siguió la proyección de su última película, El baile de la victoria, seleccionada por la Academia Española de Cine para competir en la próxima edición de los Oscar, y que se estrenará en salas el 27 de noviembre.

En la rueda de prensa previa, estuvo acompañado por José Luis Losa, director artístico del festival compostelano, y Socorro García Conde, edil de Cultura y Centros Socioculturales del Concello de Santiago, entidad organizadora. El acto estuvo en todo momento cargado con buen sentido del humor y guiños a un posible segundo Oscar para el cineasta.

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VÍDEO: LUIS BUÑUEL. ATEO GRACIAS A DIOS

ATEO GRACIAS A DIOS

Eloy Domínguez Serén

Apenas dos meses después de la llegada del siglo XX nacía en el pueblo aragonés de Calanda el que hoy es considerado uno de los cineastas más importantes de la historia del séptimo arte. Esta fecha de nacimiento sería toda una premonición, ya que toda la vida de Luis Buñuel estuvo estrechamente ligada a algunos de los acontecimientos históricos y culturales más importantes del siglo pasado. Así, el aragonés formó parte activa de la Generación del 27, vivió en primera persona la Segunda República Española y la Guerra Civil, inició su carrera profesional en la París de las Vanguardias, donde llegó a ser una figura destaca en el grupo surrealista, y participó en el desarrollo del cine comercial español, el auge del cine documental americano (país en el que padeció las consecuencias de la ‘Caza de Brujas’ encabezada por el senador McCarthy) o el florecimiento del cine mexicano.

Para un cineasta como Buñuel, cuya filmografía refleja con astucia su propia biografía, la vivencia de estos acontecimientos fue una fuente inagotable de constante renovación temática e ideológica en su obra. Sin embargo, a pesar de las notables diferencias que podemos hallar a lo largo de las diversas etapas de su filmografía, algunas obsesiones buñuelianas son tratadas y reinterpretadas una y otra vez en la práctica totalidad de su carrera. De todas ellas, tal vez la más importante sea la religión, un tema en el que Buñuel llegó a ser, a pesar de confesarse ateo, un gran erudito.
Desde su primera obra cinematográfica, Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929), hasta la última, Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977), la filmografía de Buñuel esta plagada de constantes referencias explícitas e implícitas al catolicismo, doctrina en la que el de Calanda fue educado durante su infancia y adolescencia con los jesuitas de Zaragoza. Así, atendiendo al peso que la religión tiene en sus películas, podemos establecer dos vertientes en su cine: su fase de ateísmo explícito y militante, caracterizado por un exacerbado anticlericalismo y por la representación del pecado, el infierno y un Dios severo y castigador; y su llamado ciclo religioso, formado por Nazarín (1959), Viridiana (1961), Simón del desierto (1965) y La vía láctea (La voie lactée, 1969), en el que la componente religiosa no sólo es explícita, sino que es el tema capital.

El objetivo de este montaje es, por lo tanto, el de un proceso de inmersión en el universo cinematográfico buñueliano, que permita un acercamiento a la comprensión y reflexión acerca del particular modo en que el realizador trató, desde múltiples perspectivas, aspectos como el clericentrismo, la fe, el pecado, el infierno, la muerte o la redención.

LUIS BUÑUEL. ATEO GRACIAS A DIOS de Eloy Domínguez Serén from EloyVanClift on Vimeo.

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FESTIVAL DE SITGES 2009: Crónica General

ALFOMBRA ROJA EN LA

CASA DEL TERROR

Eloy Domínguez Serén

Sitges también tiene un color especial y este es, como no, el rojo. Roja es la alfombra por la que del 1 al 12 de octubre han desfilado personalidades del séptimo arte de la talla de Viggo Mortensen, Park Chan-Wook, Malcolm McDowell, Elías Querejeta o Walter Hill, haciendo las delicias de un público que, edición tras edición, se ha ganado a pulso la fama de entusiasta y apasionado.

Rojo es también el color de las retinas de los infatigables representantes de la organización, público y prensa tras una frenética semana y media de poco sueño y mucha ensoñación. Sitges, señores y señoras, en un vertiginoso torrente de cine, cine y más cine.

Y rojo es, por encima de todo, el color por excelencia del que es considerado por muchos el festival de cine fantástico más importante del mundo. El profondo rosso visceral es la esencia de Sitges y, un año más, ha habido sangre para todos.

La inauguración del 42 del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya corrió a cargo de gente de la casa, Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes presentaron fuera de concurso y ante un auditorio abarrotado la esperadísima secuela de [·REC], que ha vuelto a arrasar en las taquillas de medio mundo. Pero los nombres propios que destacaron por encima de todos en esta edición de Sitges fueron los del director Park Chan-wook, los actores Malcolm McDowell y Viggo Mortensen y el productor Elías Querejeta. El cineasta surcoreano, todo un clásico en Sitges, recibió el premio Máquina del Tiempo a toda su carrera. Por su parte, McDowell, legendario protagonista de La naranja mecánica; Mortensen, protagonista del film que clausuró el festival, The Road; y Querejeta, fueron galardonados con el Gran Premio Honorífico del festival, que este año conmemoraba el treinta aniversario de Alien, una de las obras cumbre de la ciencia-ficción. Otros galardonados fueron Walter Hill, Ivan Reitman o Clive Barker.

La sección oficial de este certamen estuvo compuesta por veinticuatro películas a competición y diecinueve en el apartado Panorama. Entre las cintas que optaban a alzarse con el premio a la mejor película destacaban la vencedora Moon, de Duncan Jones; Mr. Nobody, de Jaco van Dormael; Enter the void, de Gaspar Noé; Grace, de Paul Soret; o Thirst, del citado Park Chan-wook. En cuanto a la representación española en las distintas secciones del festival, todas las miradas estuvieron puestas, además de en [·REC]2, en The Orphan, de Jaume Collet-Serra; Carriers, de los hermanos Álex y David Pastor; Ingrid, de Eduard Cortés; Hierro, de Gabe Ibáñez; o Celda 211, cinta de Daniel Monzón protagonizada por el gallego Luis Tosar y llamada a ser uno de los grandes éxitos del cine español de este año.

Sin embargo, la sección oficial fue sólo un pequeño trozo de la sangrienta tarta que Sitges había preparado para sus acólitos. La entrañable proyección de algunos clásicos como La naranja mecánica, Alien, Pesadilla en Elm Street o El espíritu de la colmena y la apuesta por el cine en tres dimensiones (Toy Story, Coraline o The hole) entusiasmaron al público general, pero los auténticos adictos se lo volvieron a pasar en grande en la bizarra sección Midnight X-Treme, que volvió a recuperar el espíritu ‘Grindhouse’.

Moon y Enter the Void, grandes triunfadoras

La mañana del domingo día 11 se dieron a conocer los ganadores en las diferentes categorías, siendo Moon y Enter the Void las mayores triunfadoras de este certamen. La cinta del debutante Duncan Jones, hijo del mítico cantante David Bowie, se llevó los premios a Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actor y Mejor Diseño de Producción; mientras que la última obra del argentino Gaspar Noé, director de la controvertida Irreversible (2002), se alzó con el Premio Especial del Jurado y a la Mejor Fotografía.

Por su parte, el premio a Mejor Dirección recayó en manos del filipino Brillante Mendoza por Kinatay, cinta que también se llevó el premio a la Mejor Banda Sonora y que, sin embargo, no gozó de buena acogida por parte de crítica y público. Por último, el Premio del Público fue para la gamberra comedia de zombis Bienvenidos a Zombieland, dirigida por Ruben Fleischer y protagonizada por Woody Harrelson.

En el apartado de interpretación, el reconocimiento al Mejor Actor fue para el californiano Sam Rockwell, que repite premio dos años después de lograrlo con El hijo del mal. Una de las grandes sorpresas de esta edición fue la concesión ‘ex-aequo’ del premio a la Mejor Actriz, compartido por la española Elena Anaya, protagonista de Hierro, y la surcoreana Kim Ok-vin por Thirst.

Cita obligada

El prestigioso festival de Sitges se ha celebrado ininterrumpidamente desde 1967 y ha visto pasar por sus proyectores algunas de las mejores cintas de terror, fantasía y ciencia-ficción de las últimas cuatro décadas. Entre ellas, destacan películas del peso de Kill Bill, Zatoichi, El viaje de Chihiro, Mullholland Drive, The ring, La mosca, Aliens o Profondo rosso. Asimismo, la alfombra roja de esta ciudad mediterránea ha visto pasar durante sus cuarenta y dos ediciones a cineastas del nivel de Quentin Tarantino, David Lynch, Terry William, Kim Ki-duk, David Cronenberg o Álex de la Iglesia y actores de la fama de Anthony Hopkins, Ralph Fiennes, Tony Curtis o Martin Sheen.

PALMARÉS COMPLETO: OFICIAL FANTÀSTIC

JURADO: Neil Marshall, Amanda Plummer, Tuomas Riskala, John Saxon i Jordi Battle Caminal

Mejor Cortometraje / Best Short Film

One of those days de Hattie Dalton

Mención Especial / Special Mention

The boy who wouldn’t kill de Linus de Paoli

Mejor Diseño de Producción / Best Production Design

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX

Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects

KNB EFX Group por Splice

Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack

Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía / Best Cinematography

Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión / Best Script

Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz / Best Actress

Elena Anaya por Hierro

Mención Especial / Special Mention

Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor / Best Actor

Sam Rockwell por Moon

Mejor Director / Best Director

Brillante Mendoza per Kinatay

Premio Especial del Jurado / Special Jury Award

Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película / Best Motion Picture

Moon de Duncan Jones

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