BERLÍN, SINFONÍA DE UNA GRAN CIUDAD – Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt (1927) de Walter Ruttman

LA METRÓPOLI IMPONE

SU RITMO

Eloy Domínguez Serén

En la década de 1920 numerosos pintores ligados a diversas corrientes vanguardistas hallaron en el cinematógrafo un excelente tapiz sobre el que proyectar y desarrollar nuevas manifestaciones cubistas (Fernand Léger), surrealistas (Man Ray) o incluso dadaístas (Hans Richter y Viking Eggeling).

Estos artistas, tal y como explica Erik Barnouw, “tendían a concebir el cine como un arte pictórico, en el que la luz era el medio y que comprendía fascinantes problemas de composición”.

Piezas experimentales como Ballet mécanique (1925), Sinfonía de las carreras (Rennsymphonie, 1928) o La raya (Le pieuvre) comenzaron a exhibirse y debatirse en los recién creados cineclubes (el primero de ellos se fundó en París en 1924), que habían nacido como un instrumento de protesta contra el carácter comercial del cinematógrafo.

Uno de los artistas que mayor influencia ejerció sobre el desarrollo pictórico del cine fue el alemán Walter Ruttman (Frankfurt, 1887- Berlín, 1941), un polifacético creador que había estudiado pintura, arquitectura y música e incluso había llegado a ser un exitoso diseñador de pósters y que se mostró entusiasmado acerca de las nuevas posibilidades que ofrecía el invento de los hermanos Lumière:

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LEER CINE: EL DOCUMENTAL. HISTORIA Y ESTILO (1974) de ERIK BARNOUW

EL DOCUMENTAL.

HISTORIA Y ESTILO

Eloy Domínguez Serén

En 1974, la Oxford University Press publicaba la primera edición de una de las obras más influyentes de cuantas se han escrito sobre cine documental. Documentary: A History of the Non-Fiction Film, obra del prestigioso historiador estadounidense de origen holandés Erik Barnow, es una concienzuda y grandilocuente retrospectiva de la historia de cine documental, desde los primeros experimentos de Eadweard Muybridge y la presentación del cinématographe de Louis Lumière, hasta el impacto del documental sobre el medio televisivo tras la guerra de Vietnam, primer conflicto bélico filmado en directo.

A lo largo de este didáctico viaje a través de más de un siglo de vida de cine documental, Barnouw estructura esta disciplina en trece categorías temático-cronológicas, en función de factores sociales, políticos, culturales y tecnológicos.

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LA VENTANA INDISCRETA / Rear Window (1954) de Alfred Hitchcock

LA MIRADA ESCONDIDA

Maximiliano Curcio

Siguiendo la pauta de la mayoría de los films de Alfred Hitchcock donde un hombre común y corriente preso de su curiosidad se mete en problemas mayúsculos, La Ventana Indiscreta, oculta más detrás y se revela como un film osado que explora los hábitos del voyeurismo como nunca antes se había hecho. El mismo contiene una inusual carga sexual para la filmografía del gran maestro del suspense ,de hecho el voyeurismo visto desde su significado como desviación hacia la búsqueda de excitación sexual. Un condimento que sin dudas agrega algo mas de sabor al ya de por si atrayente plato principal de suspense del gran maestro.

El interés en la sorpresa permanente es uno de los factores que se repiten a lo largo de la filmografía de Hitchock, que hace a sus películas interesantes en disparadores o motivaciones varias. A medida que diferentes pequeñas historias se desarrollan de forma paralela y que concluyen en el clímax de suspense que devela el misterio, el autor continua al siempre cuidado estudio de los personajes y que preceden a un final al estilo clásico del director, ese que perfecciono desde sus comienzos en su Inglaterra natal hasta su desembarco en la meca de Hollywood.

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VÍDEO: ¿QUÉ ES EL CINE?

¡QUÉ ES EL CINE?

Blanca Paz García

No hay mejor manera de definir el cine que mediante sus propias imágenes. En este vídeo me refiero a sus cualidades ya que a través de ella podemos conocer parte de lo que es... pero ante todo es una liberación que se produce mientras vemos las películas, una liberación de la pesada carga de la realidad para intentar reencontrarse a sí mismo o buscar la esencia de la vida.

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¿QUÉ FUE DE BABY JANE? - What ever happened to Baby Jane (1962) de Robert Aldrich

EL FIN DE LA UTOPÍA

Maximiliano Curcio

¿Qué fue de Baby Jane? es como film un ejercicio en el terror psicológico que trasciende en su mirada tan gótico como perturbador. Robert Aldrich, un verdadero gran cineasta, de cuya autoría se recuerdan títulos como Doce del Patíbulo (1967), The Big Knife (1955), Veracruz (1954) y Sodoma y Gomorra (1962), une a dos autenticas reinas de la pantalla hollywoodense de la época dorada de los ‘40: Bette Davis y Joan Crawford. Ahora en la madurez de sus carreras, ambas se sacan chispas en un duelo protagónico que quedo en la historia del cine convirtiendo al film en un clásico de culto del terror, en una apuesta con un desarrollo inteligente en su concepción, audaz en su puesta en escena y aun mejor en su interpretación.

El film deja ver su postura sobre la locura, una ausencia de razón que emerge cuando la realidad se impone a nuestros sueños de gloria. Que fue de Baby Jane? también es una transición desde el punto de vista estético: es el ingreso al colorido y al cinemascope. Mostrando la cara tan inhumana y resentida de sus protagonistas, es un juego de introspección en relación a los limites de la fama y el triunfo personal, tan perverso como competitivo el mismo, escribiendo otras de las páginas mas abordadas de Hollywood, como lo fuera en un tono mas noir El Crepúsculo de los Dioses.

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LAURA (1944) de Otto Preminger

UN NOMBRE, UN CRIMEN Y

UN FILM INMORTAL

Maximiliano Curcio

Con títulos como Laura, Otto Preminger contribuyo a escribir las paginas mas celebres de un genero americano tan significativo de una época como lo fue el cine noir. No caben dudas que este director austriaco trazo una de las carreras cinematográficas mas brillantes que Hollywood haya visto, dejando tras de si una obra resignificable con el paso de los años plagada de grandes films. Laura fue uno de esos muchos ejemplares, y ante todo, el primero. Previo a este proyecto, apenas unas cuantas películas menores mas algunas obras en Broadway formaban los palmares de Otto Preminger, un perseguido nazi que huyo de su país.

Preminger perduraría en el género y años mas tarde nos entregaría obras mas depuradas de un autentico experimentado y talentoso: Cara de Ángel (1952), Río Sin Retorno (1954) y Anatomía de un Asesinato (1959); son, sin duda, títulos para recordar. Seria este el primero de muchos intentos exitosos en el nutrido género del suspenso policial de los ’40. Un género que nació desde las sombras de la Segunda Guerra Mundial y con las limitaciones propias de la censura que el Código Hays por aquellos años regulaba.

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ESPECIAL ORSON WELLES

EL ÚLTIMO DE LOS

RENACENTISTAS

Maximiliano Curcio

Genio y figura. No habrá otro igual. Es un caso de trascendencia única este multifacético Orson Welles de quien el pasado 6 de Mayo se cumplieron 95 años de su nacimiento. Coincidiendo con el 25º aniversario de su desaparición física, a los 70 años, la misma se produjo justo a tiempo cuando los críticos de la época y el publico que durante tanto años le diera la espalda comenzaban a reconocerlo con el talento que tuvo y con la trascendencia que su figura implicó para un autentico pionero e inventor que revoluciono las bases del cine de su tiempo y del futuro. Para entender la permanencia de su figura a lo largo de los años y lo que su obra contribuyó al progreso del cine basta evidenciar el adelanto cronológico de sus obras en cuanto a una técnica depurada gracias a recursos renovados y a una narrativa dramática desconocida hasta entonces. También, y como muchas de sus películas lo muestran, sentó las bases para la evolución en la puesta en escena, el cine de autor y el genero noir, entre muchas ramas cinematográficas que revolucionó.

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ANATOMÍA DE UN ASESINATO - Anatomy of a murder (1959) de Otto Preminger

CONTUNDENTE VISIÓN DE

UN SISTEMA CORRUPTO

Maximiliano Curcio

Otto Premingter ya era un reconocido y consagrado cineasta para fines de los '50 cuando se embarco en un proyecto polémico por tocar temas en pantallas explícitos en su temática sexual como nunca antes, a la vez como de hacer una minuciosa critica incisiva, mordaz e inteligente al sistema jurídico norteamericano. El crimen en cuestión que remite al titulo del film es abordado en las instancias de un juicio, donde sus diversos personajes protagonistas y las circunstancias que se suceden dejan al descubierto un mensaje fuerte, amargo y real.

Anatomía de un Asesinato forma parte del subgénero de juicios. A contramano del thriller judicial más convencional, a Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos. El autor austriaco nos seduce analizando el crimen, pero finalmente se centra en sus personajes y la dudosa moralidad de estos, adentrándose en sus mundos y sus motivaciones. El guión de la película omite las escenas privadas del asesinato y se centra en las etapas del juicio. En el enfoque sobre la temática general del film es novedoso y hasta escandaloso para la época. Las figuras principales tanto como secundarias de la película están muy bien tratadas en la comprensión de sus conductas que deja al descubierto el maniobrar en los estrados de los juicios, en su más descarada expresión.

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SUCEDIÓ UNA NOCHE - It happened one night (1934) de Frank Capra

UN FINAL FELIZ QUE

RESIGNIFICA UNA ÉPOCA

Maximiliano Curcio

Para Frank Capra Sucedió una Noche (It Happened One Night, 1934) fue su primera incursión en un subgénero que por entonces mostraba destellos de crecimiento y se asentaba como un lenguaje cinematográfico recurrente y redituable, la screwball comedy. La comedia por entonces surgió como un genero escapista, un medio viable para resucitar el amor propio del individuo norteamericano vapuleado por la crisis, Sucedió una noche es un estandarte de ese pensamiento, una denuncia social disfraza de comedia de enredos. El film es un modelo de las comedias de enredo de Hollywood, precursa del subgénero de screwball comedy, ese tan transitado terreno de la comicidad que abordaba la batalla de sexos y la irremediable atracción entre opuestos. Puede también verse como una road movie romántica, que desafía varias de las censuras de la época exponiendo prejuicios sociales sobre la religión, la moral y el sexo, toda una afrenta a aquellos años donde el cine estaba condicionado en sus expresiones liberales por el Codigo Hays.

Así el film se presenta entre cazadores de fortunas, amores no correspondidos, búsquedas de primicias y recompensas millonarias. Un rubro fílmico asociado a comedias populares de aquellos años teniendo a figuras de la época como Spencer Tracy y Katherine Hepburn como abonados al genero que encuentra en este Sucedió una Noche a un clásico digno de sumarse a una ilustre lista de ejemplares, nada menos que en la posición de pionera. Un dato mas para rescatar en el tiempo y que enriquece el enorme valor de esta película: es en la historia de Hollywood junto con Alguien voló sobre el nido del cuco (1974) y El Silencio de los Corderos (1991) las únicas que se llevaron el Oscar a Mejor Película, Director, Actriz, Actor y guión en una misma entrega.

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EL DÍA DE LA BESTIA (1995) de Álex de la Iglesia

LA AMBIGÜEDAD DEL MAL

Blanca Paz García

Cínica, crítica y cómica, estos son los tres adjetivos que se ajustan con mayor precisión a El día de la bestia, primer éxito comercial del director vasco Álex de la Iglesia, quien declaró sobre la misma haber sido la película que más alegrías le ha proporcionado.

Si Acción mutante (1993) se sustenta en la represión y la marginalidad, El día de la bestia gira en torno a la idea del fracaso social en gran parte propiciado por la mentira mediática en la que se vivía a mediados de los noventa y en la que aún seguimos inmersos. La puesta en escena plasma también está idea de consumismo loco plagando la diabólica noche madrileña de luces de neón procedentes de anuncios publicitarios: llega a su máxima expresión cuando los tres protagonistas intentan escapar del apartamento a través del conocido anuncio de Schweppes situado en Gran Vía. Los medios de comunicación transmiten unos valores que ciegan a la población de tal manera que no reconoce el Mal aunque lo tengan delante de los ojos ya que, por culpa de los estereotipos, lo verá donde no esté.

El protagonista es Ángel, un catedrático de la Universidad de Deusto, que está convencido de que el Anticristo nacerá en Madrid a las doce de la noche del 25 de diciembre de ese año. Ángel quiere eliminarlo, pero ignora el lugar del alumbramiento. El protagonista pertenece a la sociedad hegemónica y, al ser clérigo católico, mediante él, se representa a esa parte de la misma.

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LA HUELGA - Stachka (1924) de Sergei Eisenstein

EL CINE COMO ALECCIONADOR

DE MULTITUDES

Maximiliano Curcio

El primer film de Sergei Eisenstein ya comenzaría a situarlo como un director a tener en cuenta, como una personalidad de relevancia y un factor importante a la hora de referencias fílmicas. Los motivos son muchos, pero su técnica de montaje no convencional para la época, su tratado para nada convencional sobre montaje intelectual y su contraposición al cine-ojo (Kino-Glaz) que un coterráneo y colega suyo propusiera -Dziga Vertov-, lo situaron un escalón por encima y un adelantado del movimiento ruso y a la vez como padre de la escuela cinematográfica de tal latitud. Eisenstein, con experiencia en el lenguaje teatral y expresiones artísticas de origen oriental, forja un nuevo estilo de montaje a partir de la fusión del montaje intelectual con su ideología política, oficialista de acuerdo al ritmo político que por entonces tuviera su Rusia.

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NAPOLEON (1927) de Abel Gance

CERCA DE LA REVOLUCIÓN

Maximiliano Curcio

Considerado el primer biopic de todos los tiempos, Napoleón es, por donde se lo mire, un film adelantado a su época. Abel Gance es uno de los padres de la llamada vanguardia francesa y su obra mayor es uno de los films épicos más impresionantes y revolucionarios de todos los tiempos. Teniendo en cuenta que fue realizado en la última etapa del cine mudo, sus innovaciones técnicas cobran más relevancia con el tiempo. El film se centra sobre una de las figuras históricas más cautivantes y apasionantes de todos los tiempos, al momento en que se constituye como film en un mosaico social y político de la época.

Es necesario destacar al cine y su contexto por aquellos años. Con la vanguardia francesa llega el periodo del film psicológico e impresionista, donde se considera primitivo situar un personaje en una situación determinada sin entrar en el ámbito de su vida y donde se pasa a comentar la interpretación del actor con la interpretación de los pensamientos y de las sensaciones visualizadas.

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LADRÓN DE BICICLETAS / LADRONES DE BICICLETAS - Ladri di Biciclette (1948) de Vittorio de Sica

LAS IMÁGENES DEL DESARRAIGO

Maximiliano Curcio

En el cine, la transformación que lleva una tendencia hacia el realismo que surge a comienzos de los '40, es una evolución que esta determinada por el nacimiento del Neorrealismo Italiano. Esta corriente vanguardista fue un movimiento al que la crítica cinematográfica emergente de aquellos años -liderada por la corriente cahierista pionera de Andre Bazin- le dedico un estudio analítico de gran relevancia. Es un movimiento de breve duración, pero de gran impacto que incluyo a directores como Roberto Rossellini con películas como Roma, Ciudad Abierta o Luchino Visconti con La Tierra Tiembla. También, posteriormente a su desaparición, las comedias de Pier Paolo Pasolini o Federico Fellini tomarían como ingredientes variados elementos de este neorrealismo que influyo estética y narrativamente a las nuevas olas de los '60 en el cine de autor.

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MUERTE EN VENECIA - Morte a Venezia (1971) de Luchino Visconti

LA ÚLTIMA MIRADA

DE GUSTAV

Blanca Paz García

"Quien ha contemplado con sus ojos la belleza ya está condenado a morir” esta cita fue una de las más mencionadas y representativas del cine de Visconti y en esta última escena de Muerte en Venecia lo representa visualmente de una manera espléndida.

Esta película es una de las más importantes de su director, dentro de las creadas a través de la adaptación de una novela literaria, sin obviar la importancia de El gatopardo (Il Gattopardo, 1963). Muerte en Venecia es una adapatación de la novela corta La muerte en Venecia (1912) del escritor Thomas Mann. El cineasta de la manera más elegante, supo mostrar las costumbres de la alta sociedad europea de principios de siglo enmarcada en el lujoso hotel donde transcurre gran parte de la acción.

El argumento se basa en la decadencia del protagonista Gustav Aschenbach, un compositor de música que viaja a Venecia para desconectar de su vida tras el dolor que le ha producido la reciente muerte de su única hija, el fracaso de su matrimonio y su evidente e inevitable vejez con los consecuentes problemas de salud.

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ESCALOFRÍO EN LA NOCHE / OBSESIÓN MORTAL - Play Misty for Me (1971) de Clint Eastwood

LOS MÉRITOS DE

UN GRAN DEBUT

Maximiliano Curcio

El debut como director de Clint Eastwood es un film apegado a un género, el thriller, con el que Eastwood comenzaría a coquetear mas seguido ya entrada su carrera en la madurez. Llegando a los '90 y mas adelante en su filmografía serían de su creación films fundamentales como Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal (Midnight in the Garden of Good and Evil, 1995) y Poder Absoluto (Absolute Power, 1997). Recién a principios de los '70 Eastwood todavía era una estrella joven que había saltado a la fama protagonizando la famosa trilogía de western spagetthi de Sergio Leone que tiene en El Bueno, el Malo y el Feo (The Good, the Bad and the Ugly, 1966) a su exponente más fiel. Prototipo del héroe de acción reacio y duro por aquellos años -cuando incursionaba en Harry, el Sucio- Eastwood despuntaba su vicio incipiente de director con una cinta de suspenso que contiene varios elementos de calidad como para depararle a este un decoroso debut y como para quedarse en la memoria de los cinéfilos un thriller con todas las letras.

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BARTON FINK (1991) de Joel & Ethan Coen

HOLLYWOOD SEGÚN

LOS COEN

Blanca Paz García

Del mismo modo que Fellini sacó oro de una profunda crisis creativa logrando realizar su gran obra maestra Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), los hermanos Coen siguieron el mismo camino. Escribiendo el guión de la que llegaría ser una de sus películas más significativas, Muerte entre las flores (Miller’s Crossing, 1990) se vieron presos de un bloqueo creativo; entonces, en busca de soluciones, decidieron abandonar temporalmente este guión para escribir, sólo en tres semanas, Barton Fink. Gracias a este filme, no sólo consiguieron salir de la crisis creativa y terminar la escritura de Muerte entre las flores, sino que también lograron una obra de las más reconocidas de su filmografía: en 1991 en el Festival del Cannes Barton Fink se alzó con la Palma de Oroademás de los premios al Mejor director y Mejor actor. La omnipresencia de los Coen en este largometraje es evidente, como en todo lo que realizan: entre los dos se encargan de la producción, de la dirección, del guión y del montaje. De este modo, todas sus obras están impregnadas de un “aire Coen” inconfundible. En Barton Fink su presencia es evidente en la importancia de cada personaje. Para los Coen, sus películas son retratos de seres al margen de las convenciones sociales. A través de lugares concretos, en este caso el Hollywood de los 40, configuran a unos personajes cuya existencia está presente desde la propia puesta en escena.

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LOS SIETE LOCOS (1973) de Leopoldo Torre Nilsson

BUSCO MI PIEDRA FILOSOFAL

Maximiliano Curcio

En el libro Torre Nilsson por Torre Nilsson -editado luego de su muerte- el brillante realizador cinematográfico elaboraba un Posible Decálogo del Director de Cine en donde, entre otros valores y virtudes del director de cine, destacaba el siguiente: “Tendrá que saber escribir como los mejores escritores de su generación, y conocer al ser humano, al actor y a los técnicos como si fuera el confesor del siglo XVIII o el analista del siglo XX pero sin la limitación del preconcepto”. No quedan dudas que Torre Nilsson ha cumplido con esta premisa de forma brillante a lo largo de su vasta filmografía y Los Siete Locos se erige como uno de los pilares en su concepción, un autentico estudio del ser humano y un cabal conocimiento del contexto socio político del siglo XX.

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LA PATAGONIA REBELDE (1974) de Héctor Olivera

SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS

Maximiliano Curcio

En el año 1921 en Argentina sucedió lo que se dio en llamar “La Patagonia Rebelde”. Una huelga de los obreros del, por aquel entonces, denominado territorio nacional puesto que todavía no había provincias allá. En su mayoría inmigrantes, en reclamo de mejoras en las condiciones de trabajo y salario, miles de ellos fueron barridos por el ejército enviado por el presidente Hipólito Irigoyen. Engañados, masacrados y despojados. Un pueblo jamás debe olvidar sus raíces. Es entonces que en la década del ’70 salió publicado el libro de Osvaldo Bayer titulado Los Vengadores de la Patagonia Trágica. Inspirado en dicha novela, Hector Olivera y un elenco estelar (integrado por Héctor Alterio, Pepe Soriano y Luis Brandoni) llevaron adelante una ambiciosa realización titulada La Patagonia Rebelde, como era llamado aquel hecho histórico. Un film marcaría un quiebre en la historia de la cinematografía argentina, constituyendo un hito su realización y un salto de calidad para un cine que lo necesitaba.

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LA CASA DEL ÁNGEL (1957) de Leopoldo Torre Nilsson

LOS OJOS DE ANA

Maximiliano Curcio

La casa del Ángel es una de las más destacadas películas de una década gloriosa para el cine argentino como la de los ’50, con realizadores de la talla de Fernando Ayala, Pino Solanas, David José Kohon y Simón Feldman, entre otros. Basada en el libro homónimo que escribió Beatriz Guido, fue justamente su esposo, el brillante Leopoldo Torre Nilsson quien adquirió principios estéticos y narrativos de la por entonces incipiente Nouvelle Vague francesa para rodar el film.

La historia esta centrada en la visión que tiene del mundo la protagonista del libro, Ana Castro: su adolescencia, los prejuicios de la época, el sexo, la represión de su madre, la violación que la misma sufre, el encierro y el sentido que de la política se tiene durante la película. La misma está enmarcada en los años ’20, una época socialmente corrosiva para nuestro país marcada por un apogeo político en tiempos de la Unión Cívica Radical. Se nos presenta un retrato de la clase alta de Buenos Aires al comienzo del siglo XX en la que los hombres se dedican al juego, al sexo libre, a la política y a enriquecerse (sin escrúpulos a veces) mediante ella. Las mujeres se dedican a la iglesia y a la crianza de los hijos. Bajo esta regla verticalista Ana ha pasado una vida protegida e inocente.

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VIRIDIANA (1961) de Luis Buñuel

LA ESENCIA ATEO-CRISTIANA DE LUIS BUÑUEL

Blanca Paz García

"Viridiana es la película que continúa más estrechamente mi trayectoria de cineasta desde que rodé La edad de oro. De toda mi obra, estas dos películas son las que he dirigido con mayor libertad". Estas palabras de Luis Buñuel ponen de manifiesto que Viridiana es una obra de y por la libertad. Precisamente, estalló en la España franquista, convirtiéndose en un gran escándalo. Con esta obra, el aragonés devuelve al país el esplendor que la dictadura había silenciado o exiliado. Pudo hacer uso de la libertad que tanto apreciaba para hacer lo que más le motivaba: penetrar en el subconsciente colectivo de la tradición española y liberar las profundidades oscuras del pensamiento de los prejuicios tanto sociales como individuales.

Buena parte de la fuerza de Viridiana reside en su guión. Esto es una constante en las obras de Buñuel, ya que hay que recordar que empezó en el terreno de la escritura y él mismo reconocía la importancia del guión, del que, según él, "la película sale ya casi acabada". En este film, este trabajo de pluma se ve en la profundidad que tienen sus personajes, dotados de tintes surrealistas, y en los ambientes en los que transcurre la trama, que hablan por sí solos: un ejemplo de ello es la vivienda de don Jaime, alejada del bullicio, como si fuera su propia fortificación en la que vive sus fantasías sexuales recordando a su difunta mujer, que murió la noche de bodas.

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