ANATOMÍA DE UN ASESINATO - Anatomy of a murder (1959) de Otto Preminger

CONTUNDENTE VISIÓN DE

UN SISTEMA CORRUPTO

Maximiliano Curcio

Otto Premingter ya era un reconocido y consagrado cineasta para fines de los '50 cuando se embarco en un proyecto polémico por tocar temas en pantallas explícitos en su temática sexual como nunca antes, a la vez como de hacer una minuciosa critica incisiva, mordaz e inteligente al sistema jurídico norteamericano. El crimen en cuestión que remite al titulo del film es abordado en las instancias de un juicio, donde sus diversos personajes protagonistas y las circunstancias que se suceden dejan al descubierto un mensaje fuerte, amargo y real.

Anatomía de un Asesinato forma parte del subgénero de juicios. A contramano del thriller judicial más convencional, a Preminger no le interesa en caso en sí y sus recovecos. El autor austriaco nos seduce analizando el crimen, pero finalmente se centra en sus personajes y la dudosa moralidad de estos, adentrándose en sus mundos y sus motivaciones. El guión de la película omite las escenas privadas del asesinato y se centra en las etapas del juicio. En el enfoque sobre la temática general del film es novedoso y hasta escandaloso para la época. Las figuras principales tanto como secundarias de la película están muy bien tratadas en la comprensión de sus conductas que deja al descubierto el maniobrar en los estrados de los juicios, en su más descarada expresión.

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RABIA (2005) de Sebastián Cordero

AL FINAL DE LA ESCALERA

Eloy Domínguez Serén

Tae-suk, protagonista de una de las mejores películas asiáticas de las últimas décadas, Hierro 3 (Bin-jip, Kim Ki-duk, 2004), desarrolla durante su estancia en prisión una prodigiosa habilidad: ser invisible a ojos de quienes le rodean. Sólo de este modo podrá vivir con su amada Sun-hwa, recluida en una opulenta casa junto a un marido maltratador, sin ser descubierto por éste.

Ese poético don de la invisibilidad, esa lírica existencia fantasmagórica, ese amante etéreo, esa convivencia espiritual, tan conmovedora en Hierro 3, se hecha de menos, en un cierto modo, en Rabia, coproducción española, mexicana y colombiana dirigida por el ecuatoriano Sebastián Cordero.

A pesar la notable diferencia de carácter que existe entre Tae-suk y José María, protagonista de Rabia, ambos se hallan en una idéntica situación: deben vivir como un incorpóreo e imperceptible guardián de la mujer a la que aman.

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Series de TV - PERDIDOS (LOST) - Series Finale

EMOTIVIDAD A FALTA
DE RESPUESTAS

Julio C. Piñeiro

Una semana después, el controvertido y esperado y final de Lost sigue dando que hablar, y así lo hará durante mucho tiempo. Lejos de ceñirnos a la reseña de turno, hemos preferido ir más allá, y elaborar una crónica medianamente global de las reacciones, realizando un compendio selectivo de una semana de buceo por una parte, aún minúscula pero significativa, de la intensa y prolífica actividad que el gran final en particular, y la última temporada en general, han suscitado en multitud de webs, generalistas o especializadas, innumerables foros y blogs o variopintos grupos y páginas de Facebook, pero siempre bajo la óptica de un claro posicionamiento y huyendo de la ambigüedad.

The end logró el récord de audiencia de la serie en EEUU, con 13,5 millones de personas de media (15,3 millones en la última media hora). Eso sí, lejos del adiós de Seinfeld (76 millones) o Friends (52 millones).

La inevitable decepción

La innegable verdad es que, no tanto el capítulo en sí, sino su secuencia final, me cautivó en el momento, y no he sido el único. Supone la culminación de esos momentos emotivos colectivos, que representaban esos reencuentros en la playa, cada vez que algún personaje volvía sano y salvo de alguna expedición en busca de respuestas. Esa enigmática realidad alternativa resultó ser un especie de limbo atemporal, de lugar místico, o cósmico, en el que van a para todos. Así, esa recurrente sentencia de “live together, die alone” se transforma en “live together, die together”, con todos (o casi todos) caminado juntos hacia el más allá. Todo un homenaje final a los personajes de la serie, un guiño a los primeros compases de su estancia en una isla que los marcó para siempre. Entertainment Weekly destacó la «épica» de este último episodio unida a la emoción sentida por el espectador al recordar la ficción desde el inicio, con la llegada de aquellos personajes que se habían marchado. Aprovecharon ese "limbo" para que tuviéramos algo parecido a un final feliz y que pudiéramos despedirnos de los personajes que durante 6 temporadas nos tuvieron enganchados. En ese lance final, fue clave, como tantas veces, la excelente música de Michael Giacchino, que sin duda se constituyó desde el inicio como uno de los pilares del éxito se la serie.

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FALLECE DENNIS HOPPER

EL ÚLTIMO NIÑO MALDITO
DE HOLLYWOOD

Maximiliano Curcio

Su carácter indomable, sus excesos con las drogas, sus infernales matrimonios, su talento polifacético, sus papeles de villano antológicos y muchas otras cualidades más convirtieron a Dennis Hopper a lo largo de medio siglo de trayectoria en uno de los artistas más prolíficos de Hollywood y en una de las personalidades más misteriosas. Aunque la historia diga lo contrario y se empecine en negarlo, aunque sea uno de los interpretes menos valorados, aunque su conducta volátil lo convirtiera en un proscrito para la industria. Seria injusto recordar a Dennis Hopper solo como uno de los intérpretes secundarios más brillantes. Su trascendencia va más allá. Y puede comenzar a percibirse a través de esa mirada profunda, intrigante e intimidante. Hopper redefinió a su paso el término versatilidad. Salvando las distancias, así como un Orson Welles contemporáneo.

Lideró una camada de bad boys de Hollywood surgida mediados de los años ’60: Warren Beaty y Jack Nicholson fueron dos de ellos. Ellos fueron los encargados de abrirle las puertas a una nueva generación, que se sacudía el polvo de la guerra de Vietnam y que recibía con los brazos abiertos a un cine que se renovaba en géneros, temáticas, realizadores y estrellas. De una genialidad única, que combino genuinas destrezas artísticas, inquietudes culturales, pasión por su profesión y una rebeldía innata propias de los tiempos de Woodstock y el flower power.

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SUCEDIÓ UNA NOCHE - It happened one night (1934) de Frank Capra

UN FINAL FELIZ QUE

RESIGNIFICA UNA ÉPOCA

Maximiliano Curcio

Para Frank Capra Sucedió una Noche (It Happened One Night, 1934) fue su primera incursión en un subgénero que por entonces mostraba destellos de crecimiento y se asentaba como un lenguaje cinematográfico recurrente y redituable, la screwball comedy. La comedia por entonces surgió como un genero escapista, un medio viable para resucitar el amor propio del individuo norteamericano vapuleado por la crisis, Sucedió una noche es un estandarte de ese pensamiento, una denuncia social disfraza de comedia de enredos. El film es un modelo de las comedias de enredo de Hollywood, precursa del subgénero de screwball comedy, ese tan transitado terreno de la comicidad que abordaba la batalla de sexos y la irremediable atracción entre opuestos. Puede también verse como una road movie romántica, que desafía varias de las censuras de la época exponiendo prejuicios sociales sobre la religión, la moral y el sexo, toda una afrenta a aquellos años donde el cine estaba condicionado en sus expresiones liberales por el Codigo Hays.

Así el film se presenta entre cazadores de fortunas, amores no correspondidos, búsquedas de primicias y recompensas millonarias. Un rubro fílmico asociado a comedias populares de aquellos años teniendo a figuras de la época como Spencer Tracy y Katherine Hepburn como abonados al genero que encuentra en este Sucedió una Noche a un clásico digno de sumarse a una ilustre lista de ejemplares, nada menos que en la posición de pionera. Un dato mas para rescatar en el tiempo y que enriquece el enorme valor de esta película: es en la historia de Hollywood junto con Alguien voló sobre el nido del cuco (1974) y El Silencio de los Corderos (1991) las únicas que se llevaron el Oscar a Mejor Película, Director, Actriz, Actor y guión en una misma entrega.

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EL DÍA DE LA BESTIA (1995) de Álex de la Iglesia

LA AMBIGÜEDAD DEL MAL

Blanca Paz García

Cínica, crítica y cómica, estos son los tres adjetivos que se ajustan con mayor precisión a El día de la bestia, primer éxito comercial del director vasco Álex de la Iglesia, quien declaró sobre la misma haber sido la película que más alegrías le ha proporcionado.

Si Acción mutante (1993) se sustenta en la represión y la marginalidad, El día de la bestia gira en torno a la idea del fracaso social en gran parte propiciado por la mentira mediática en la que se vivía a mediados de los noventa y en la que aún seguimos inmersos. La puesta en escena plasma también está idea de consumismo loco plagando la diabólica noche madrileña de luces de neón procedentes de anuncios publicitarios: llega a su máxima expresión cuando los tres protagonistas intentan escapar del apartamento a través del conocido anuncio de Schweppes situado en Gran Vía. Los medios de comunicación transmiten unos valores que ciegan a la población de tal manera que no reconoce el Mal aunque lo tengan delante de los ojos ya que, por culpa de los estereotipos, lo verá donde no esté.

El protagonista es Ángel, un catedrático de la Universidad de Deusto, que está convencido de que el Anticristo nacerá en Madrid a las doce de la noche del 25 de diciembre de ese año. Ángel quiere eliminarlo, pero ignora el lugar del alumbramiento. El protagonista pertenece a la sociedad hegemónica y, al ser clérigo católico, mediante él, se representa a esa parte de la misma.

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ESPECIAL STAR WARS

LA MASIFICACIÓN DEL
CINE DE GÉNERO

Julio C. Piñeiro

En el imaginario de todo amante o aficionado al cine se reserva un lugar especial para la década de los '70, aquel mágico decenio en el que La Industria, o sea, Hollywood y su entorno, fueron tomados y comandados por cineastas que bebieron de la época dorada del cine de autor en Europa (focalizada especialmente en las cinematografías italiana y francesa), sin olvidarse de la obligada referencia didáctica de los maestros orientales, con el emperador Kurosawa a la cabeza. Con estos ingredientes, y una política de estudios propicia, la resaca de la revolucionarios '60 se convirtió en la mejor cosecha del cine estadounidense, aquel que sí llegaba a todas y cada una de la salas del mundo.

Nos vienen a la cabeza los nombres de Coppola, Scorsese, Bogdanovich, Cimino, y un largo etcétera. Pero al mismo tiempo, iba germinando una tendencia, coetánea pero espiritualmente diferente y puede que incluso opuesta, que de alguna manera, más bien impremeditada, acabaría por revertir la tendencia y fijar las bases de la política de producción actual. Hablo, cómo no, de las figuras de George Lucas y Steven Spielberg, cuya cultura fílmica residía más en el cine de género (ya fuese en forma de producción de serie B como en formato televisivo) que en las cinematografías de autor extranjeras de las que bebieron sus contemporáneos. Así, sus películas no llegaron a ser las obras maestras del momento (quizás tampoco lo ambicionaban) pero sí cambiaron para siempre la industria, y sobre todo (ciñéndose a lo estrictamente cinematográfico), la manera de concebir el cine de género, especialmente el de ciencia-ficción.

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TWO LOVERS / Los Amantes (2008) de James Gray

EL CAMINO MENOS TRANSITADO

Eloy Domínguez Serén

La literatura, el teatro y el cine nos fascinan, nos conmueven y nos emocionan porque poseen la excepcional virtud de introducirnos allí donde nadie puede adentrarse: en la recóndita intimidad de los seres humanos. Sin embargo, el deleite voyeurista intrínseco al lector/espectador no se satisface al traspasar el linde entre lo personal y lo íntimo, sino al sensibilizarse con las vivencias que presencia al cruzar ese límite.

Muchos personajes e historias logran generar interés, afinidad o empatía, pero son escasas las ocasiones en que consiguen realmente despertar en nosotros una verdadera implicación emocional.

Mi aspiración como apasionado espectador de cine no es la de contemplar una película, sino la de interiorizarla, habitarla, respirarla y compartirla. En definitiva, vivirla. Por ese motivo, doy las gracias a James Gray por haber filmado Two Lovers.

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