OSCARS 2010: LA QUINIELA

ENTRE DAVID Y GOLIATH

Julio C. Piñeiro

La Academia ya ha elegido los invitados que participarán en la selecta fiesta que tendrá lugar la noche del próximo 7 de marzo en Kodak Theater de Los Angeles.

Poca cosa fuera de lo esperado. La novedad este año estribaba en el número de películas nominadas a la categoría principal, 10 en vez de 5. Cayeron las esperadas, es decir, las nominadas a Mejor Película Dramática en los Globos de Oro (Avatar, The hurt locker, Malditos bastardos, Up in the air, y Precious). En cambio, de las otras 5 acompañantes ninguna pertenecía a la lista de Comedia/Musical en los premios de la prensa extranjera. El “relleno” ha sido bastante variopinto: reconocimiento a cineastas consagrados (Un tipo serio), ciencia-ficción de corte hiperrealista, casi fake (Distrito 9), la habitual cuota británica (An education), cine pseudo-indie pensado y hecho para los premios (The blind side) y como segundo representante del 3-D, la última joya de la corona de Disney/Pixar (Up). Aunque sea notoria la presencia de la cinta de Tarantino (8 nominaciones), desde hace unas semanas ha quedado claro la moneda caerá del lado de James Cameron o de Kathryn Bigelow (ex-marido y ex-mujer, curiosidad inédita), cuyas películas atesoran 9 nominaciones cada una: cualquier otro resultado nos hará que nos pongamos automáticamente a buscar la cámara oculta.

Decepción para la comedia de la temporada, (500) Días juntos (ni una sola nominación) y sobre todo para Nine, de firme favorita en los Globos de Oro (de los que se fue de vacío) a ni siquiera optar a las categoría principales: acumula 4 nominaciones, en la que sólo destaca la de Penélope Cruz como Actriz de Reparto, tercera ya de su carrera, y todas en los últimos 4 años.

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HUNGER (2008) de Steve McQueen. Análisis crítico

HUNGER: EL CUERPO COMO

ESCENARIO DEL CONFLICTO

Eloy Domínguez Serén

CAPÍTULO I: INTRODUCCIÓN

Steve McQueen no es un cineasta. Steve McQueen es “un artista que ha hecho una película”[1]. O, en otras palabras, es “un ‘outsider’ (forastero/intruso) en el mundo cinematográfico”[2]. Por lo tanto, es necesario realizar un análisis de Hunger (2008), debut en el largometraje de ficción de este creador británico, no sólo desde el punto de vista del lenguaje cinematográfico, sino en relación a los parámetros del marco del arte contemporáneo.

Una muestra de la condición de no-cineasta de McQueen es el Premio Gucci con el que fue galardonado en la 65 Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, una categoría en la que, según lo estipulado por la organización del certamen, se condecora a “un artista internacionalmente reconocido que en los últimos dieciocho meses (anteriores a la inauguración) se haya distinguido en el cine en el rol de realizador, actor, guionista, director artístico o director de vestuario”[3].

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ESPECIAL 100 ARTÍCULOS DE CRÍTICA Y CINE (II)

DE LA VIA VENETO
A LA RUTA XACOBEA

Julio C. Piñeiro

Poco más puedo decir de lo que Lord Eloy no haya ya dicho. Pero, aprovechando la primera vez que puedo escribir más libremente y hablar de mi propia persona, sin verme obligado a someterme a un mínimo de rigor en la forma, el contenido y el enfoque que siempre me exijo en cada nuevo artículo. Seré sincero: no voy a hablaros esta vez sobre cine, sino sobre unas vivencias en las que el cine ha tenido un papel especial.

Tempus fugit. Empiezo mi historia con esta locución latina ya que parece que fue ayer cuando Eloy me propuso embarcarme en esta aventura creativa, con el inicial, y quizás también vigente propósito de dejar constancia escrita de nuestras discusiones cinéfilas, elucubraciones teóricas más o menos serias, diversas filias y fobias y demás idas de olla.

El escenario era óptimo. Yo me encontraba viviendo la dolce vita romana lo mejor que se podía con una beca Erasmus, el mismo año en que mi compañero hacía lo propio unos kilómetros más arriba, en la capital europea de la moda y el comercio, el carácter padano por contraposición a la felliniana vida romana o al folclórico sur.

Un año clave en nuestras vidas, no sólo por las inolvidables fiestas, viajes y experiencias en un marco de intercambio de culturas en múltiples niveles, sino también por la gran oportunidad que ambos tuvimos de disfrutar en su plenitud el arte de la imagen en movimiento.

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ESPECIAL 100 ARTÍCULOS DE CRÍTICA Y CINE (I)

CRÍTICA Y CINE:

UNA HISTORIA DE AMOR

Eloy Domínguez Serén

Con el post de la reseña de la película Invictus, Crítica y Cine alcanzaba la estimable cifra de un centenar de artículos publicados. Atrás quedaban veintisiete fascinantes meses de creciente pasión por el séptimo arte, ciento dieciséis insólitas semanas de constantes estrenos, ochocientos catorce días de entusiasmada contemplación de las inagotables vertientes que ha adoptado el cine contemporáneo y nostálgica admiración de clásicos imperecederos.

Todo comenzó en Milán, la madrugada del miércoles 14 de noviembre de 2007, tras la última sesión del Cinema México, un modesto y entrañable cine de una sola sala situado en Via Savona. Había ido a ver la, por entonces, última película de Francis Ford Coppola, Youth without youth (cuyo título se había traducido al italiano como Un’altra giovinezza). Aquella era una de las últimas proyecciones de la cinta, ya que aquella misma semana la retirarían de la cartelera para estrenar A mighty heart, de Michael Winterbottom.

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INVICTUS (2009) de Clint Eastwood

EL DUEÑO DE MI DESTINO,

EL CAPITÁN DE MI ALMA

Eloy Domínguez Serén

Cahiers du cinéma. España publica este mes su lista de los quince directores más relevantes de la pasada década, cuyo podio encabezan tres cineastas tan diferentes como los estadounidenses Gus Van Sant y David Lynch y el portugués Pedro Costa. Sin embargo, desde mi modesto punto de vista, el cineasta más solvente del primer decenio del siglo XXI ha sido el incombustible maestro Clint Eastwood.

El actor y director californiano no es uno de los autores más influyentes del momento, en gran parte como consecuencia del clasicismo que le caracteriza, pero considero que la suya ha sido la trayectoria cinematográfica más eminente de los diez últimos años, con films formidables como Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004), el díptico Banderas de nuestros padres-Cartas desde Iwo Jima (2006) o Gran Torino (2008). Ningún otro realizador ha logrado mantener una cota tan alta con tanta regularidad.

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FESTIVAL DE SUNDANCE: ENTREVISTA A RODRIGO CORTÉS

SUNDANCE SE RINDE ANTE

RODRIGO CORTÉS

Eloy Domínguez Serén

A mediados de este enero, la influyente revista estadounidense Variety daba a conocer la lista 10 directors to watch, desde la que cada año se distingue a diez cineastas emergentes a los que seguir de cerca. Este año, por segunda vez desde que esta lista fue creada en 1996, un director español formaba parte del prestigioso elenco. Tras haber seleccionado al canario Juan Carlos Fresnadillo en 2002, Variety se ha fijado en esta ocasión en el gallego Rodrigo Cortés, uno de los grandes nuevos valores de nuestro cine.

Este ourensano de nacimiento y salmantino de adopción comenzó su carrera en el mundo del corto, la publicidad y el videoclip, antes de darse a conocer con 15 días (2001), el cortometraje más premiado de la historia del cine español. En 2007 debutó en el largometraje con Concursante (2007), una de las obras más virtuosistas, originales e ingeniosas de los últimos años.

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EN TIERRA HOSTIL - The hurt locker (2008) de Kathryn Bigelow

ADICTOS A LA GUERRA

Julio C. Piñeiro

“Callejeros: La Guerra de Irak” podría ser un buen título para esta interesante propuesta bélica, perteneciente a una tendencia naturalista de reciente eclosión, gracias a títulos como Redacted de Brian de Palma o la miniserie Generation kill, que tienen en el Golfo su escenario casi exclusivo hasta el momento.

Y es que para darle una vuelta de tuerca a la versión más pura del género, hacía falta desmarcarse de enfoques ya agotados, como el clásico épico-heroico (Patton) y su réplica desmitificadora (Banderas de nuestros padres), el más puramente antibélico (Senderos de gloria), el melodramático de corte intimista (Cartas desde Iwo-Jima, La delgada línea roja), el tétrico-paranoico (Apocalypse now, La chaqueta metálica) o el hiperrealista (Stalingrado o el primer acto de Salvar al soldado Ryan).

Si bien este film se distancia de algún modo de la ‘tradición’ naturalista, en la medida en que no contiene aparentemente ninguna dimensión denunciante, aparte de no estar basada directamente en hecho reales, como aquellos citados ejemplos. Dibuja a unos personajes que no pertenecen a los clichés del soldado comprometido con la causa nacional, las descerebradas máquinas de matar o las víctimas de una feroz esquizofrenia producida por el acecho de la muerte y la convivencia con el horror.

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UP IN THE AIR (2009) de Jason Reitman

EL AIRE ES MI PATRIA

Julio C. Piñeiro

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Jason Reitman se consagra como uno de los directores más importantes del panorama actual, tras su prometedor arranque hace ya un lustro. Esta vez, su mayor virtud ha sido dar en el clavo, ofreciéndonos la película más oportuna para el momento que estamos viviendo. Up in the air es sin duda la obra maestra del cine de la crisis, una crisis a la que hasta ahora el cine industrial de ficción sólo se había enfrentado transversalmente.

Esta crisis que caracteriza el final de la primera década del nuevo milenio, y da paso a afrontar los siguientes diez años con cautela y escepticismo. Pero precisamente estos momentos difíciles (que algunos ya equiparan a la Gran Depresión) surge un sentimiento de fraternidad, de colectivismo, el “juntos, podemos” entre los seres humanos afectados en mayor o menor medida por este fenómeno.

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