OCÉANOS - Océans (2009) de Jacques Perrin y Jacques Cluzaud

PANDORA ESTÁ BAJOS

NUESTROS PIES

Eloy Domínguez Serén

Esta semana El País publicaba un artículo de Toni García titulado ¿Adiós al actor de carne y hueso?, en el que el periodista advertía que los grandes estudios cinematográficos podrían estar considerando la viabilidad de fomentar la sustitución de actores reales por réplicas digitales a través del desarrollo de la tecnología que ha hecho posible películas como Polar Express (2004), Beowulf (2007), Avatar (2009) o Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio, la nueva película de Steven Spielberg y Peter Jackson cuyo estreno está previsto para e invierno de 2011.

En este sentido, ya en enero de 2008 Àngel Quintana señalaba en su artículo Hacia una nueva plástica del cine digital que la revolución del diseño infográfico había permitido “hacer realidad todas aquellas imágenes generadas por la imaginación que habían hallado resistencia en el mundo físico”.

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ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS - Alice in Wonderland (2010) de Tim Burton

TIM BURTON SE TAMBALEA

EN SU PEDESTAL

Eloy Domínguez Serén

Se me ocurre un posible grupo de Facebook del que podría hacerme seguidor: “señoras que vieron la Alicia de Burton antes que la de Disney”. Probablemente seríamos pocos, pero plenamente conscientes del abismo que separa a ambas películas. En efecto, tras la decepción que me produjo la versión de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, acudí de inmediato al clásico de dibujos animados en busca de respuestas. ¡Ese sí es maravilloso! Lo primero que pensé en aquel momento fue que al director de Eduardo manostijeras (1990) y Ed Wood (1994) se le había apagado la bombilla. Lo segundo, que ojalá yo hubiese tenido diez años en 1951.

Desconozco con exactitud hasta qué punto tanto una como la otra son o no fieles al díptico Alicia en el País de las Maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí de Lewis Carroll, pero lo cierto es que la versión burtiana anula incomprensiblemente las principales virtudes de la película de Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wilfred Jackson para crear un producto que sólo acierta en su función, tal y como dice Ernesto Pérez Morán, de “vender palomitas”.

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LAS VIUDAS DE LOS JUEVES (2009) de Marcelo Piñeyro

ALTA SUCIEDAD

Maximiliano Curcio

El best seller de Claudia Piñeiro Las viudas de los jueves es transpuesto a la pantalla a través de Marcelo Piñeryo, con más aciertos que errores y, sin duda, cumpliendo con la premisa de lograr transmitir el gran potencial que la novela posee. En clave de thriller el film nos presenta una triple muerte y un interrogante inequívoco e ineludible: Suicidio? Accidente? Asesinato?. Detrás de esta trama se instituye otro relato paralelo: Las Viudas de los Jueves ilustra la crisis nacional que entre saqueos, protestas, incertidumbre y catástrofe dio paso a un colapso de poder que todavía hoy día sigue dando coletazos.

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LADRÓN DE BICICLETAS / LADRONES DE BICICLETAS - Ladri di Biciclette (1948) de Vittorio de Sica

LAS IMÁGENES DEL DESARRAIGO

Maximiliano Curcio

En el cine, la transformación que lleva una tendencia hacia el realismo que surge a comienzos de los '40, es una evolución que esta determinada por el nacimiento del Neorrealismo Italiano. Esta corriente vanguardista fue un movimiento al que la crítica cinematográfica emergente de aquellos años -liderada por la corriente cahierista pionera de Andre Bazin- le dedico un estudio analítico de gran relevancia. Es un movimiento de breve duración, pero de gran impacto que incluyo a directores como Roberto Rossellini con películas como Roma, Ciudad Abierta o Luchino Visconti con La Tierra Tiembla. También, posteriormente a su desaparición, las comedias de Pier Paolo Pasolini o Federico Fellini tomarían como ingredientes variados elementos de este neorrealismo que influyo estética y narrativamente a las nuevas olas de los '60 en el cine de autor.

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MUERTE EN VENECIA - Morte a Venezia (1971) de Luchino Visconti

LA ÚLTIMA MIRADA

DE GUSTAV

Blanca Paz García

"Quien ha contemplado con sus ojos la belleza ya está condenado a morir” esta cita fue una de las más mencionadas y representativas del cine de Visconti y en esta última escena de Muerte en Venecia lo representa visualmente de una manera espléndida.

Esta película es una de las más importantes de su director, dentro de las creadas a través de la adaptación de una novela literaria, sin obviar la importancia de El gatopardo (Il Gattopardo, 1963). Muerte en Venecia es una adapatación de la novela corta La muerte en Venecia (1912) del escritor Thomas Mann. El cineasta de la manera más elegante, supo mostrar las costumbres de la alta sociedad europea de principios de siglo enmarcada en el lujoso hotel donde transcurre gran parte de la acción.

El argumento se basa en la decadencia del protagonista Gustav Aschenbach, un compositor de música que viaja a Venecia para desconectar de su vida tras el dolor que le ha producido la reciente muerte de su única hija, el fracaso de su matrimonio y su evidente e inevitable vejez con los consecuentes problemas de salud.

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Series de TV: BORED TO DEATH (2009) - 1º Temporada

¡LO QUE HACE EL ABURRIMIENTO!

Julio C. Piñeiro

La casa Stradivarius era inigualable en todo el mundo a la hora de fabricar instrumentos de cuerda. Muchos intentaron imitar sus creaciones, pero sin éxito. Las unidades todavía existentes a día de hoy se consideran poseedoras de un valor incalculable.

Pues creo que en un futuro venidero, tendremos esa misma idea de la HBO y las series de TV a las que ha dado a luz. Esas tres obras cumbre de la ficción televisiva que son A dos metros bajo tierra, Los Soprano y The wire, superproducciones de la talla de Roma, Hermanos de sangre o la reciente The Pacific, series de género al nivel de Carnivàle o Deadwood, o telecomedias con la inventiva de Extras o El show de Larry David, forman ya parte del imaginario colectivo y han dejado patente que la narración catódica, bien hecha, no tiene nada que envidiar a su hermana mayor, la gran pantalla, bajo cuya sombra ha estado mucho tiempo ninguneada. Las claves, por decir algunas, pueden ser su gusto por los guiones cuidados y por desterrar formatos enlatados y ultradigeridos.

La comedia Bored to death es una de sus últimas perlas. En España, la 1º temporada (8 episodios) se emite en Paramount Comedy, pero todavía ningún canal gratuito ha anunciado la intención de incluirla en sus novedades para las próximas parrillas. En Estados Unidos ya se ha confirmado una segunda temporada.

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CINCO MINUTOS DE GLORIA / CINCO MINUTOS EN EL CIELO - Five Minutes of Heaven (2009) de Olivier Hirschbiegel

PERDONAR ES UNA

DECISIÓN, NO

UN SENTIMIENTO

Eloy Domínguez Serén

El período que comprende de 1972 a 1976 fue la etapa más sangrienta de los llamados ‘Troubles’ en Irlanda del Norte, un cruento conflicto etno-político que se cobró más de tres mil quinientas vidas a lo largo de tres décadas, desde finales de los años sesenta hasta el Acuerdo del Viernes Santo de 1998. Como consecuencia de este atroz derramamiento de sangre, y en apoyo a iniciativas como la Asociación por los Derechos Civiles de Irlanda del Norte (NICRA), en 1974 fue creado el Centro Glencree por la Paz y la Reconciliación, una organización no gubernamental que “promueve la paz y fomenta la reconciliación, facilitando diálogos, creando recursos educativos de paz y organizando programas en las escuelas”.

Uno de los propósitos más delicados de este tipo de proyectos son el auspicio de encuentros entre criminales reintegrados en la sociedad y sus víctimas. Precisamente un acercamiento de estas características es el que conforma el eje central de Cinco minutos de gloria, el último trabajo del alemán Olivier Hirschbiegel, director de las notables El experimento (2001) y El hundimiento (2004).

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ESCALOFRÍO EN LA NOCHE / OBSESIÓN MORTAL - Play Misty for Me (1971) de Clint Eastwood

LOS MÉRITOS DE

UN GRAN DEBUT

Maximiliano Curcio

El debut como director de Clint Eastwood es un film apegado a un género, el thriller, con el que Eastwood comenzaría a coquetear mas seguido ya entrada su carrera en la madurez. Llegando a los '90 y mas adelante en su filmografía serían de su creación films fundamentales como Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal (Midnight in the Garden of Good and Evil, 1995) y Poder Absoluto (Absolute Power, 1997). Recién a principios de los '70 Eastwood todavía era una estrella joven que había saltado a la fama protagonizando la famosa trilogía de western spagetthi de Sergio Leone que tiene en El Bueno, el Malo y el Feo (The Good, the Bad and the Ugly, 1966) a su exponente más fiel. Prototipo del héroe de acción reacio y duro por aquellos años -cuando incursionaba en Harry, el Sucio- Eastwood despuntaba su vicio incipiente de director con una cinta de suspenso que contiene varios elementos de calidad como para depararle a este un decoroso debut y como para quedarse en la memoria de los cinéfilos un thriller con todas las letras.

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PRÓXIMAMENTE EN SUS PANTALLAS

“EN 3-D, POR FAVOR”

Julio C. Piñeiro

Pese a no haber levantado el Oscar el pasado 7 de marzo, el triunfo de Avatar y su exhibición en 3-D es incontestable, habiendo batido todos los registros de taquilla posibles. Tanto es así que las majors, que de primeras se mostraban escépticas ante la fórmula de James Cameron, han decidido subirse al tren y “tridimensionalizar” sus productos estrella de la primavera, aún cuando no fueron originalmente concebidos en 3-D, mediante un proceso de “copia y pega” que ha levantado ya varias críticas. Lo contaba con más detalle esta semana Toni García, en El País (ver artículo).
Pero la cosa funciona. Furia de titanes, blockbuster de acción convertido a las tres dimensiones a última hora (lo suficiente como para hinchar el precio de la entrada), se ha comido la taquilla de la Semana Santa, y pese a su pobre valoración, así seguirá un par de semanas, cuando será desbancada por Tim Burton y su versión de Alicia en el País de las Maravillas, que se estrenará un mes después de lo previsto, con la vitola de haber superado el récord de recaudación en el primer fin de semana (que ostentaba, cómo no, Avatar), tras una recepción tibia de la crítica y de un amplio sector de la audiencia, y sumida de lleno en esa polémica disyuntiva 2-D/3-D.

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CIUDAD DE VIDA Y MUERTE - City of Life and Death / Nanjing! Nanjing! (2009) de Lu Chuan

LA CATARSIS DE UN

DEPLORABLE GENOCIDIO

Eloy Domínguez Serén

Hacía mucho tiempo que no veía una película tan demoledora. Ciudad de vida y muerte, el film chino vencedor de la Concha de Oro en la última edición del Festival de San Sebastián, es la devastadora e implacable crónica de una de las tragedias más deplorables del siglo XX: el genocidio de 300.000 chinos (100.000 según fuentes niponas) a manos del Ejército Imperial Japonés en la ciudad de Nanjing, en diciembre de 1937, en el marco de la Segunda Guerra Sino-Japonesa.

La narración de esta estremecedora cinta bélica está estructurada en dos episodios: la destrucción de los últimos focos de resistencia local y las ejecuciones masivas de los prisioneros chinos; y las atrocidades cometidas durante las semanas posteriores a la ocupación de Nanjing sobre los civiles refugiados en la zona de seguridad establecida por un comité internacional al oeste de la ciudad.

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SANGRE FÁCIL / SIMPLEMENTE SANGRE - Blood Simple (1984) de Joe & Ethan Coen

CAMINO A LA PERDICIÓN

Maximiliano Curcio

La opera prima de los talentosos hermanos Coen no podría haber sido un debut cinematográfico mas perfecto, promisorio y visionario respecto de una de las duplas de cineastas mas talentosos del ultimo cuarto de siglo que Hollywood haya dado. Esta extraña pareja se ha constituido en un estándarte del aciago cine de autor norteamericano en las últimas dos décadas. Simplemente Sangre (Blood Simple, 1984) se erige como un facsimil razonable de la mejor época del cine negro, y con reminiscencias de las grandes obras de Orson Welles o Billy Wilder así como también precursora de otras gemas coenianas del policial negro como Miller’s Crossing o Fargo. El film es una historia de infidelidad, engaño y asesinato donde venganzas, equívocos y traiciones se iran desarrollando a medida que esta trama avanza.

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Crítica de una crítica: LA CLASE / ENTRE LOS MUROS - Entre les murs (2008) de Laurent Cantet

LA CRÍTICA DE UNA CRÍTICA

Eloy Domínguez Serén

El curso pasado, cuando estudiaba en la Universidad Pontificia de Salamanca, el profesor Michi Huerta nos propuso un interesante ejercicio en su asignatura Espectáculo, Ficción y Realidad. Tras proyectar el documental Je t'aime... moi non plus: Artistes et critiques (Maria de Medeiros, 2004), el profesor nos planteó analizar el texto de un crítico o, en otras palabras, realizar la crítica de una crítica. En mi caso elegí un texto de uno de los críticos a los que más admiro, E. Rodríguez Marchante, sobre una de las películas que más me han gustado en los últimos años, La clase (Entre les murs, Laurent Cantet, 2008). Aquí está el resultado.

Crítica de LA CLASE, publicada por E. Rodríguez

Marchante en ABC (16 de enero de 2009)

Empieza el curso. Los profesores se presentan a la cámara. Los alumnos se presentan al profesor. La clase se convierte en una ventana por la que miramos todos. Ellos, sin duda, saben que estamos ahí, mirando, pero hay un tono, una frescura, una apariencia de verosimilitud, de documental, que nos indica lo contrario: miramos sin que lo sepan. Ellos son los alumnos y el profesor de una clase de lengua francesa en un colegio multirracial de una barriada a las afueras de París, y nosotros somos los del patio de butacas. Qué situación tan extraña, y tan edificante y provechosa... Todos estamos dentro de una película, pero todos tenemos la extraña sensación de los personajes de Amenábar en "Los otros".

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BARTON FINK (1991) de Joel & Ethan Coen

HOLLYWOOD SEGÚN

LOS COEN

Blanca Paz García

Del mismo modo que Fellini sacó oro de una profunda crisis creativa logrando realizar su gran obra maestra Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), los hermanos Coen siguieron el mismo camino. Escribiendo el guión de la que llegaría ser una de sus películas más significativas, Muerte entre las flores (Miller’s Crossing, 1990) se vieron presos de un bloqueo creativo; entonces, en busca de soluciones, decidieron abandonar temporalmente este guión para escribir, sólo en tres semanas, Barton Fink. Gracias a este filme, no sólo consiguieron salir de la crisis creativa y terminar la escritura de Muerte entre las flores, sino que también lograron una obra de las más reconocidas de su filmografía: en 1991 en el Festival del Cannes Barton Fink se alzó con la Palma de Oroademás de los premios al Mejor director y Mejor actor. La omnipresencia de los Coen en este largometraje es evidente, como en todo lo que realizan: entre los dos se encargan de la producción, de la dirección, del guión y del montaje. De este modo, todas sus obras están impregnadas de un “aire Coen” inconfundible. En Barton Fink su presencia es evidente en la importancia de cada personaje. Para los Coen, sus películas son retratos de seres al margen de las convenciones sociales. A través de lugares concretos, en este caso el Hollywood de los 40, configuran a unos personajes cuya existencia está presente desde la propia puesta en escena.

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LOS SIETE LOCOS (1973) de Leopoldo Torre Nilsson

BUSCO MI PIEDRA FILOSOFAL

Maximiliano Curcio

En el libro Torre Nilsson por Torre Nilsson -editado luego de su muerte- el brillante realizador cinematográfico elaboraba un Posible Decálogo del Director de Cine en donde, entre otros valores y virtudes del director de cine, destacaba el siguiente: “Tendrá que saber escribir como los mejores escritores de su generación, y conocer al ser humano, al actor y a los técnicos como si fuera el confesor del siglo XVIII o el analista del siglo XX pero sin la limitación del preconcepto”. No quedan dudas que Torre Nilsson ha cumplido con esta premisa de forma brillante a lo largo de su vasta filmografía y Los Siete Locos se erige como uno de los pilares en su concepción, un autentico estudio del ser humano y un cabal conocimiento del contexto socio político del siglo XX.

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